Rubio Pez

Después de incursionar como baterista en diferentes proyectos de la escena en Chile, Francisca Straube toma el nom de guerre Rubio y presenta su debut como solista. Un disco mutante, con extremidades barrocas, trap, trip-hop, dance, synth-pop (entre otras) que se mantiene interesante gracias a que estos vestigios se integran a la estructura de las canciones durante los momentos en que la melodía está por caer en un sonido totalmente pop.

Gracias al excelente nivel de producción y composición, cuando pudiera parecer que las canciones tomarán un rumbo familiar, estos desvíos le inyectan la variedad necesaria para mantener a esta quimera con vida.

SCORE: 8.4

GAS Rausch

Magnífica obra techno-ambient de proporciones gigantescas, tanto en duración, como en el manejo de las texturas que la conforman. Cada nota y cada beat se va integrando, desapareciendo y en algunos casos reintegrando, de manera estratégica para al final crear un crescendo sigiloso, un estruendo tímido que le abrirá paso a la calma, similar al estado de relajación que llega después de realizar ejercicios de respiración. Cuando el rezago de la última nota deja de sonar, te das cuenta de que presenciaste una implosión estelar en el lapso de una hora.

SCORE: 8.5

Gilles Gobert Chamber Electronic Music

Con suficientes bleeps and bloops que te harán cuestionar si no estás experimentando un glitch en la Matrix, el compositor francés nos hace sentir desorientados y maravillados a través de circuitos alterados y un piano androide reconociéndose, tomando consciencia de sí mismo, aprendiendo sus primeras notas para sonar real, como si se tratase de un replicante tratando de imitar a un humano.

SCORE: 8.5

Tor Lundvall A Dark Place

A dark place indeed. Sin embargo, no es una oscuridad sofocante o que sugiera estar enclaustrado.

Tor Lundvall, neoyorquino quien fluctúa entre pintor y productor, nos presenta el equivalente sonoro a bucear bajo el crepúsculo, ya que al inicio, todo parece estar sumergido bajo la densa atmósfera creada por los sintetizadores, pero conforme transcurre el álbum, la voz comienza a escucharse con más claridad al igual que toda la instrumentación que se escondía tras esa capa de humo azul, permitiendo que ligeros toques de shoegaze y dream-pop salgan a la superficie justo antes del amanecer.

SCORE: 8.7

Dino Spiluttini No Horizon EP

Las notas que se pueden llegar a discernir, son como fantasmas vistos a través de un cristal empañado. Se nota el movimiento, se percibe un color, pero no hay un cuerpo o un rostro que se pueda reconocer, sólo amorfas texturas borrosas que se arrastran y se desvanecen una tras otra haciendo piruetas en el aire.

La producción nos deja el espacio suficiente para poder adentrarnos en la tranquilidad de estas secuencias, pero debido a esas ligeras modificaciones sonoras, la sensación es más la de estar experimentando el síndrome de Capgras en un contexto musical; el sentimiento es familiar, pero hay algo inquietante en todas esas notas. Es una calma espeluznante.

SCORE: 9

Cabaret Contemporain Séquence Collective

Teclados, bajo, guitarras y batería. Hand-made techno. No hay más qué decir.

SCORE: 9.5

Mythic Sunship Upheaval

El Paraíso Records comenzó como un medio para que la agrupación Causa Sui pudiera distribuir su material, y más adelante, el de sus proyectos por separado así como el de otros artistas. A pesar de estar basados en Copenhagen, el sonido de los proyectos más pesados en su catálogo es inherentemente desértico (cualidad que se complementa a la perfección con el exquisito arte que sirve de portada en sus LPs) y Mythic Sunship es un claro ejemplo.

Sofisticado y a la vez crudo; Fun House y The Shape of Jazz to Come combinados en un devenir de guitarras ácidas, una sección rítmica tempestuosa y la intensidad solar del Desierto de Mojave. Aunque evitan entrar de lleno en las indulgencias que a veces suelen presentarse en géneros como el stoner o el psicodélico, Mythic Sunship podría no presentarnos algo completamente novedoso, pero citando al irreverente Eric Andre: If it works, it works.

SCORE: 7.7

Hypnodrone Ensemble Plays Orchestral Favourites

La respuesta nocturna a Mythic Sunship. Cuando esta es el reflejo kaleidoscópico del agresivo calor desértico, Hypnodrone Ensemble es una polvareda que se desliza lentamente bajo la luna. Una escucha superficial podría no ser suficiente para apreciar todo lo que entra en juego con el propósito de resaltar esa cualidad eólica que se desata de cada uno de los instrumentos, pues todo es ejecutado con reserva, pero sin duda alguna será el sonido de la sección rítmica, el que captará la atención del escucha, ya que se trata de tres baterías. Tal vez podría parecer innecesario debido a que no hay mucha variedad entre lo que está haciendo cada una, pero el efecto que traen consigo es difícil de ignorar, haciendo de esta placa una escucha interesante.

SCORE: 8

Tajak Ciclos

Psicodelia que genera un trance de baja frecuencia con su flemática cadencia, lejanas y místicas voces que conjuran frases inescrutables, pétrea ambientación y riffs saturados de un voltaico fuzz que cambian el rumbo del viaje cada que entran de manera abrupta.

Ciclos es el resultado de escuchar a Spiritualized, Bardo Pond y Smashing Pumpkins tocando al mismo tiempo desde el fondo de una cueva.

SCORE: 8

. Trillones Tal Vez Sí Existe

Una enérgica entrega que aparte de entretenida, ofrece bastantes momentos reflexivos escondidos detrás del velo creado por las texturas ambientales e inquietos beats. Hay ritmos de un hipnotismo tribal con un toque orgánico y taquicárdicos pulsos cibernéticos despedidos desde ansiosos sintetizadores. Trillones mezcla muy bien sus experimentos cut and paste con sampleos y sonidos que entran, se repiten y se interrumpen formando un ritmo adicional por encima de los ya protagónicos ritmos que no se detienen. El compositor encuentra fuerza en sus colaboraciones, que, en su mayoría, se trata de los mejores temas dentro del álbum.

SCORE: 7.5

Maura Rosa Cama en la Sala

Una voz distintiva exhala poesía en forma de una espesa neblina. El brillo de guitarras neón choca con la condensación y la luz se rompe formando un noctívago arcoíris que se extenderá como abanico, revelando un mundo aparte dentro de las nubes. Cada nota y cada palabra funcionan como peldaños que te ayudarán a llegar a la cima. Maura te dará la bienvenida como un espectro bondadoso. (Leer reseña completa).

SCORE: 9

Gaspar Peralta Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba

Una obra de ambición y alcance celestiales, desde su fuente de inspiración, hasta la complejidad de su composición así como en su entrega, que fluctúa entre el ímpetu y la serenidad de manera orgánica. Por medio de una muy bien trabajada fusión de elementos electrónicos e instrumentos acústicos, Gaspar evoca poderosas imágenes y metáforas sonoras a lo largo de los ocho movimientos en que está dividida esta pieza; una majestuosa batalla entre la luz y la oscuridad, en la que todas las fuerzas naturales se ven involucradas. Al inicio del primer movimiento, pesadas capas de cellos procesados bloquean el firmamento, creando una penumbra entre la que violines irrumpen con un delicado estruendo divino, simulando un descenso angelical o el nacimiento del primer rayo de luz después de que Dios así lo pidiera.

Al minuto 4:44, se suscita uno de los mejores momentos dentro de toda la obra. Se trata de algo minúsculo, un sonido efímero, pero su poder es tan profundo como el efecto de reverberación que posee, del cual se desprenden las vibraciones que ponen en curso todo lo que está por venir. Cuando el cataclismo anterior se despeja, un piano preparado hace su aparición. Su ejecución es pausada pero imponente, empezando con el golpe de una nota, que gradualmente deja de sonar en soledad; lentamente se van integrando más teclas, hasta terminar en un frenético arpeggio de timbre metálico. La escala se resuelve regresando a la nota inicial, con las mismas pausas, cerrando el ciclo de la parte más plúmbea dentro de la obra. El sexto movimiento es el que más tranquilidad transmite, con un piano y violines que trabajan en conjunto, sublimando las primeras gotas de lluvia que caerán sobre una tierra desolada, enverdeciendo el panorama gota a gota. Es una escena melancólica pero con destellos de esperanza.

La duración de cada pasaje es la adecuada y debido a la vasta variedad tímbrica, ningún momento pasa desapercibido, haciendo que se puedan disfrutar individualmente; sin embargo, el enorme nivel de inmersión que se genera, no permitirá que esto suceda seguido. La obra demanda ser escuchada por completo y, así como Dios hace con Job, nos obliga a contemplar las maravillas de la creación a través de cada efecto sonoro, de las texturas emanadas de la excelente manipulación de instrumentos y cada nota meticulosamente colocada en el momento adecuado. Además de lo antes mencionado, Peralta también recurre a la repetición y al minimalismo, pero a diferencia de muchos otros proyectos, el compositor toma estos recursos como un medio, no como un fin.

SCORE: 10

Thou Magus

Géneros como el sludge, grunge, crust, black metal y doom convergen violentamente, colapsando sobre sí para engendrar a este resonante reptil que agrieta el pavimento a cada paso.

Tempestuoso y trascendental, con una sutil complejidad gracias a sus discretos cambios de ritmo y a la polifacética estructura de sus canciones, en la que cada parte se va apilando una sobre la otra, hasta convertirse en el reflejo de su propia pesadez.

SCORE: 7.8

KEN Mode Loved

Metal-core con una fuerte inclinación hacia el noise rock. El espíritu de Flipper y The Jesus Lizard luchando por salir del cuerpo al que está invadiendo. Loved es una bestia que grita y se mueve desesperadamente para no sucumbir ante la locura debido a su enclaustro, sin percatarse de que se trata de un exilio auto-impuesto y las paredes que la rodean son creadas por esos agresivos ritmos angulares, las montañas lodosas levantadas por el sonido espeso del bajo y por la fría y calculada violencia de los staccatos y los acordes abiertos de las guitarras.

Hay un ligero guiño al no-wave gracias a la aparición de un saxofón que se abre paso en algunos temas, añadiéndole un toque de locura extra, bastante ad hoc con una obra que tiene como objetivo despertar los instintos reprimidos en la psique del escucha.

SCORE: 7.8

Chris Corsano/Bill Orcutt Brace Up!

El prolífico y versátil Chris Corsano sirve como muro de contención para los feroces disparos atonales de Orcutt, en un álbum que te dejará fatigado pero compelido a escucharlo una y otra vez, por su contagiosa energía. A pesar de ser un ejercicio que explota en frenéticos poliritmos que parecen no llegar a alguna parte en concreto, donde la estridencia es el común denominador, los tonos de cada instrumento están tan bien cuidados que no terminan aturdiendo al escucha.

Gracias a su cruda, pero efectiva, producción, desde el principio somos transportados a ese pequeño espacio en donde estos dos monstruos se comunican en un lenguaje que nos elude.

SCORE: 8

The Messthetics The Messthetics

Un álbum que fluye sin obstáculo alguno, en una intersección entre el krautrock, progresivo y noise rock, gracias al excelente acoplamiento de la batería junto con el bajo que se adentran en persistentes ritmos y la guitarra que pasa de virtuosos (pero breves) requintos a desmedidos e impetuosos rasgueos que no estarían fuera de lugar en un conjunto de punk.

Todo es manejado con libertad y soltura pues se trata de grabaciones con un mínimo de edición, manteniendo un espíritu DIY, pero llevado a un contexto más sofisticado que el del punk, sin sacrificar la autenticidad ni la energía que van de la mano con dicho movimiento. Esto no debería sorprender, ya que a dos tercios de The Messthetics (bajo y batería) lo conforman ex miembros de, los emblemáticos y principales promotores de la autogestión, Fugazi.

SCORE: 8.2

Sleep The Sciences

Diecisiete años después del monolítico Dopesmoker, Sleep regresa para desatar su sonido bestial, en un infeccioso álbum repleto de ritmos y riffs que se mueven con la gracia de una persona intoxicada en un cuarto oscuro.

Comenzando con una guitarra que parece estar saliendo del cascarón y sacudiéndose el líquido amniótico, el feedback que esta genera se va acumulando hasta que una pausa repentina frena lo que se pensaba sería un clímax. A partir del bong hit que abre la segunda canción, todo se convierte en una incesante embestida de bajos burbujeantes, referencias a la marihuana y Black Sabbath (obviamente), espesos power chords y una batería que retumba sin cesar, para culminar el disco con una de las piezas más delicadas que la agrupación nos ha dado.

Con su lánguida, estridente y pesada furia, nos reafirman que podrán llevar Sleep por nombre, pero su música equivale más a una sacudida hípnica que a un sosegado reposo.

SCORE: 9.2

Gnod Chapel Perilous

Esta placa se distingue por ser la más abstracta dentro del prolífico catálogo del multidisciplinario y rotativo colectivo inglés; sin embargo, esto no quiere decir que tuvieron que sacrificar su distintiva energía debido a la amplia experimentación sonora que se lleva a cabo en el álbum. Sus arrebatados rasgueos y vehementes líneas de bajo siguen sonando con toda esa intensidad post-punk on crack, pero ahora son emparejados con largos pasajes instrumentales y elementos dark ambient, creando una fase más para una agrupación que se ha hecho renombre por su constante evolución.

SCORE: 9.2

Death Grips Year of the Snitch

El día que se anunció “Death Grips is online”, el internet enloqueció. El eternamente amorfo trío llevaba tiempo sin lanzar un LP, remitiéndose a modestas entregas a manera de EPs o sencillos, en donde muchas veces ni siquiera participaban todos los integrantes, siendo la ferocidad de MC Ride el elemento que más dejaba un vacío en esas obras.

Year of The Snitch es una coherente progresión para una agrupación que se mofa de lo convencional. Desde Interview 2016 y Steroids (Crouching Tiger Hidden Gabber Megamix) Ride, Zach Hill y Flatlander ya mostraban una tendencia a un toque más cybercore, en su mayoría instrumental, alejándose de ese destemplado hip-hop que profesaban y practicaban desde sus inicios; sin embargo, esto no quiere decir que la agrupación se haya transformado en el soundtrack para una inocente fiesta con sus ritmos bailables y producción un tanto más pulida. La paranoia y la rabia reprimida siguen ahí. Hill y Morin continúan creando atmósferas saturadas y abismales entre las que Burnett sigue destrozando su garganta grito a grito.

Death Grips is online, and they're not fucking going anywhere, bitch.

SCORE: 7.3

Jerusalem in My Heart Daqa'iq Tudaiq

Siguiendo con su emblemática fusión de la música tradicional árabe con elementos electrónicos tanto modernos como clásicos, Jerusalem in My Heart (Radwan Ghazi Moumneh) presenta su obra más ambiciosa hasta la fecha. Si bien esta mezcla de lo actual con el folclor no es nueva (basta con escuchar todos esos hits que conforman el top 40 de esas regiones) el éxito de Jerusalem está en combinar estos componentes con un balance entre el respeto por el acervo cultural y la necesidad de romper los esquemas. Los top 40 sólo ponen una escala típica del género tras un ritmo bailable, Moumneh utiliza cada recurso para complementar y acentuar; las melismas son realzadas con discretos y robóticos glitches, las repeticiones o esas notas drone son remarcadas con eternos delays y un abisal reverberado, logrando acrecentar la cualidad hipnótica de este tipo de melodías.

SCORE: 7.5

Mamaleek Out of Time

La versatilidad es un arma de doble filo. Funciona muy bien para demostrar una gran capacidad técnica, el amplio lenguaje musical del artista y es una muy buena herramienta para mantener alejada la monotonía en la que cada género es propenso a caer. Maudlin of the Well y Mr. Bungle son excelentes ejemplos. Por el contrario, de ser explotada, puede llegar a saturar las composiciones o puede dar la impresión de ser una táctica a la que se recurre cuando no se cuenta con un sonido propio.

Mamaleek camina una delgada entre estas dos posturas. Las mezclas pueden no funcionar siempre y sentirse un poco forzadas. Afortunadamente, el álbum cuenta con el material suficiente para contrarrestar las fallas. Por cada tres temas donde la fusión de estilos crea una atmósfera única, hay uno donde los estilos parecen repelerse el uno al otro; sin embargo, aún cuando este es el caso, hay ambición de sobra detrás de las composiciones, asegurando que Out of Time sea una experiencia interesante, lo cual es bastante apreciado en tiempos donde muchos proyectos parecen optar por jugar en easy mode.

SCORE: 7.5

The Observatory/MoE Shadows

Versatilidad contenida en una diminuta partícula nacida de la curiosidad auténtica, esa que pone en marcha al mundo, partiendo de la pregunta "¿Qué pasaría si...?".

La coherencia entre las canciones es nula; cada una es tan diferente a la que le precede, que podría pensarse que se trata de una compilación de tres artistas diferentes. Esto es lo que pasa cuando una colaboración tiene como meta crear algo nuevo a partir un punto medio entre los diferentes estilos de los involucrados, en lugar de que cada uno quiera acaparar las composiciones. Cada proyecto deja el ego fuera del estudio para trabajar sin pretensiones, dando como resultado una obra que lo único que tiene de malo, es su corta duración.

SCORE: 8

This City Called Earth Cinema Jazz

Un álbum que evade cualquier clasificación simplista. Se vendió como un simple disco nuevo de "math rock", pero afortunadamente está muy lejos de ser un proyecto "nerdy math rock" más. Se acerca más al sonido de un Battles menos técnico (se podrá decir que Battles es math-rock, pero, ¿realmente queremos reducirlos a eso solamente?) y a un Labradford mucho más movido; incluso hay partes que suenan como si Meshuggah tocara jangle pop.

Sea cual sea la etiqueta que se le quiera poner, Cinema Jazz toca muchas bases con su flexibilidad.

SCORE: 8.5

Heather Leigh/Peter Brötzmann Sparrow Nights

Un atraco sonoro que sofoca y ciñe al escucha, meciéndolo entre la inquietud que genera el caos y la resignación de darse cuenta que no hay escape.

Leigh emite acordes que inhalan y exhalan con dificultad y ansiedad, como un animal convaleciente. El saxofón de Brötzmann corta entre la maleza con ferocidad como un depredador oportunista.

La calma expelida por la guitarra nunca es impoluta. Las notas siempre encierran cierto misticismo y oscuridad en su interior aunque sean ejecutadas con delicadeza. Sin embargo, hay momentos donde ambos instrumentos parecieran competir por ver quién puede ser el más discordante, cayendo en un vaivén de estridencias en el que el duo te empuja de un lado a otro sin remordimiento alguno.

SCORE: 9

Yves Tumor Safe in The Hands of Love

Después de habernos invitado a la distopía sonora que fue Serpent Music, el enigmático Yves nos abre la puerta a un mundo con más cohesión, sin sacrificar el eclecticismo que lo distingue. Instrumentos sintéticos sirven de apoyo para las partes orgánicas y viceversa. Hay un balance en todo este caos; los diferentes géneros que se tratan en este álbum navegan en sintonía, como peces de varias especies atrapados en el mismo estanque.

Un aire melancólico y desgarrador recorre todo el disco y su impacto emocional es innegable, siendo "Recognizing the Enemy" uno de los mejores ejemplos.

La batería toma un lugar muy prominente y su sonido tiene cierta crudeza que contrasta bastante bien con los pasajes más producidos como en el último minuto de "Licking an Orchid", donde el instrumento nunca se ve intimidado por la estática que lo rodea, manteniendo su ritmo hasta el final.

En Serpent Music, las canciones parecían querer escapar del oscuro sótano en el que estaban encadenadas; ahora parecen haber desarrollado síndrome de Estocolmo, y rondan cómodamente los límites de su cautiverio sin mostrar señales de querer huir. Han encontrado seguridad en las manos de Yves; en manos del amor como fuerza constrictora.

SCORE: 9

Toby Driver They Are The Shield

Toby Driver nos da una muestra más del alcance de su versatilidad como compositor, por medio de una de sus obras más entrañables.

Mucho se dice respecto a Madonnawhore siendo lo más íntimo dentro de todo su repertorio, y aunque la mayoría del álbum pudo tratarse de Driver con una guitarra, incluso dentro de toda su austeridad, el músico se seguía mostrando opaco. Para concebir They Are the Shield, el multi-instrumentalista se rodeó de figuras como Brian Chase, la pianista Kelly Moran, entre otros músicos, con el propósito de formar un equilibrado ensamble para materializar su peculiar visión.

La producción del álbum es espaciosa y los instrumentos fueron dotados de una cualidad radiante. Cada uno resplandece con intensidad y tonos distintos, pero en equidad, formando una elegante capa de sonido muy reminiscente a la que emanaría un conjunto de música de cámara dentro de una iglesia.

La batería de Chase mantiene a precisión una serie de tiempos irregulares sin caer de lleno en parecer un pleno ejercicio rítmico, mostrándose siempre expresiva. Las aportaciones de la violinista alemana Pauline Kim Harris, oscilan entre el virtuosismo de Jean-Luc Ponty y la reserva de Philip Glass, dibujando complejas figuras con trazos pausados que de vez en cuando quedan suspendidos creando tensión al irrumpir en ligeros desentonos. En sus momentos más suaves, danzan como polillas alrededor del fulgor que emerge de los teclados y sus notas sostenidas.
Estos últimos, junto con los vítreos acordes de guitarra, son quienes van marcando la pauta de los cambios a seguir.

La voz de Driver parece no haber evolucionado al igual que su agudo sentido de armonía y melodía o su manejo de dinámicas. Al tratarse de una obra con una influencia minimalista bastante latente, las piezas no tienen muchos cambios dentro de su estructura, pero el punto débil de la voz, es que se mantiene muy similar en la mayoría de las canciones. Sin embargo, su languidez funciona más como un elemento impresionista que se sostiene perfectamente gracias a la amplia gama sonora que le acompaña.

SCORE: 9.5

Interspecifics Speculative Communications 80X/Speculative Communications EP

La música experimental viene desde una necesidad de rechazar los esquemas impuestos en pro de la innovación y demostrar que el espectro musical cuenta con una amplia gama de facetas qué ofrecer. Varios proyectos nacen a partir de un impulso egoísta que, de ser bien manejado, poniendo la música en primer plano antes que la excentricidad de quien la ejecuta, es capaz de llevar al escucha a rincones que no siempre resultan cómodos, pues se salen bastante de la media, creando nuevas ramificaciones que rompen con géneros o brindan una nueva luz a cómo estos se experimentan. Se trata de crear experiencias que vayan más allá de la música.

Para lograr esto, muchos compositores y artistas se han valido de diferentes técnicas y enfoques con el fin de acercarse al proceso de composición desde una nueva perspectiva. Una de estas vertientes que nacen a partir esta necesidad, fue la random music que, como bien indica el nombre, dejaba que el azar fuese armando las piezas por medio de elementos que eran puestos en movimiento por el compositor al tirar los dados, permitiendo que la canción tomara vida por sí sola.

El colectivo mexicano Interspecifics absorbe este concepto y lo practica desde un enfoque que casa a la música con la ciencia poniendo el génesis de estas dos placas en manos del comportamiento bacteriano, interpretado y traducido por medio de artefactos creados con este propósito. Si bien el resultado podría sonar a un disco ambient más (incluso, dentro del catálogo de esta agrupación, se trata de las obras menos abstractas) resulta impresionante saber todo lo que yace detrás de cámaras para que estas piezas se pudieran crear.

Interspecifics ha dotado de voz a organismos que forman parte de nuestra vida diaria, cambiando la perspectiva de cómo experimentamos el mundo, no sólo la música.

La frase "music is in the air" ahora toma un nuevo significado.

SCORE: 9.5

Anna Von Hausswolff Dead Magic

Una placa inherentemente pesada, pero no es sólo por su densa y agobiante producción que resalta cada nota que se desprende y retumba con un ominoso reverberado. Tampoco es porque dicha producción haya sido llevada a cabo por Randall Dunn, una de las mentes detrás de esas míticas y espectrales figuras encapuchadas que extienden el tiempo con sus tortuosos y prolongados acordes en drop A.

De hecho, Dead Magic no cuenta con la instrumentación, ni recurre a las técnicas, que más se asimilan con géneros heavy, como el metal o derivados. Hay guitarras con distorsión, pero son utilizadas para acentuar y dar textura mas que para incurrir en apelmazados riffs.

Aunque la voz de Anna, con sus demenciales gritos de banshee, fluctuantes saltos de una nota a otra, efímeros suspiros, todo envuelto en una ingrávida cualidad infantil (muy al estilo de Kate Bush, pero con más desesperación), es bastante peculiar y ciertamente es un elemento a considerar para poder llegar a la raíz de la abrumante esencia del disco, tampoco radica del todo ahí. Cada aspecto mencionado contribuye en buena parte a la naturaleza pesada de este álbum; la desesperanza en la dicción, esa impenetrable pared sonora que se genera por el enclaustrado lugar de grabación, pero el principal factor yace en el uso de un majestuoso órgano del siglo XX que se encuentra en la Iglesia de Mármol (Marmorkirken), icónica estructura situada en Copenhagen, en donde Von Hausswolff y su séquito pasaron un total de nueve meses, preparando las sesiones que se convertirían en Dead Magic.

Desde la primer canción se puede percibir la enormidad del instrumento y del lugar en el que el sonido rebota, así como la lentitud de los mecanismos que lo ponen en movimiento. Después de una breve introducción, el ritmo se vuelve acompasado, con un andar que remite a una máquina de vapor. Poco a poco los demás instrumentos van abandonando la marcha y el sonido se va ahogando, al igual que la voz con sus rasposos vibratos que se desintegran en el éter.

Si se tuviera que elegir un tema que funcione como arquetipo de lo que se quiso lograr en esta obra, indudablemente se tendría que recurrir a "Ugly and Vengeful". Esta pieza es una endecha de proporciones épicas. Anna hace el mejor uso de sus habilidades líricas, las diferentes fases en las que se divide la canción encajan perfectamente y las transiciones son fluidas; de un intro minimalista y enfocado en la ambientación, al desquiciado intermedio en el que el órgano explota en una escala disonante, hasta el fulminante final donde todos los instrumentos se funden en una sola nota que retumba hasta apagarse súbitamente. "The Mysterious Vanishing of Electra" evoca a Swans (con quien Hausswolff ha colaborado) con su agresividad tribal y su pauta marcada por una guitarra acústica en medio de toda la sinuosidad de la canción.

Con todo su ímpetu, dramatismo y excelente producción, Dead Magic brilla intensamente a pesar de su oscuridad.

SCORE: 10

Daughters You Won't Get What You Want

El resultado de regresar al infierno después de ocho años de haberlo evadido. Una recaída a un círculo vicioso fraccionada en 10 tortuosos pasos.

Todas esas connotaciones negativas, al tratarse de una banda como Daughters, realmente deben tomarse como halagos, pues el quinteto siempre ha sido experto en dejar a flote su neurosis para convertirla en caóticas canciones que suenan a no querer ser tocadas y es esa tal vez la razón detrás de la breve duración de sus temas anteriores.

El sonido en este álbum es más maduro y más enfocado a la melodía, pero eso no significa que los originarios de Providence hayan dejado atrás su lado maníaco. Los ritmos estridentes siguen ahí, pero refinados; el aura inquietante permaneció indemne a través del tiempo y la voz de Alexis Marshall aún emula angustiosos quejidos acompañada de nerviosos tics. Al mismo tiempo, la banda experimenta con diferentes estilos e instrumentos que probablemente no habrían tenido cabida en sus placas pasadas.

Se pueden escuchar sintetizadores que añaden texturas escoltando a las guitarras a través de la vorágine y ahora puede apreciarse un enfoque muy marcado a la sección rítmica que ve a Daughters entrar en grooves muy bien logrados, de los que apenas había breves destellos en su penúltimo disco y es en canciones como "Less Sex", "Daughter" y "Ocean Song" donde estos ejercicios funcionan mejor.

SCORE: 10

Ambrose Akinmusire Origami Harvest

En la actualidad, la mezcla del jazz con hip-hop ya no puede ser tomada como una innovación. Esto no quiere decir que la mezcla haya pasado a ser obsoleta. En estos últimos años, se ha dado un renacimiento del soul, r&b y jazz y por lo general, estos géneros se han visto acompañados de rimas y flows. En el 2015, Kendrick Lamar puso el ejemplo a seguir, con el lanzamiento de su seminal obra, To Pimp a Butterfly, el cual fue una ambiciosa mezcla de hip-hop y jazz, la cual contaba con la participación de una banda acompañante, compuesta de músicos como Ronald Bruner Jr, Kamasi Washington, y Thundercat, quienes resaltaban la parte jazz de esta fusión, gracias a las proezas técnicas por las que ya eran reconocidos. Ya no queda mucho por decir discutir ni decir respecto a su importancia e impacto; su lugar en el podio olímpico de la música popular es indiscutible. Otro de los integrantes de dicha banda, fue precisamente Ambrose Akinmurise, con una breve pero efectiva participación al final del álbum.

Tres años más tarde, los esquemas vuelven a cambiar gracias al lanzamiento de Origami Harvest, donde el trompetista, fungiendo como director, presenta su ecléctica paleta sonora en la que el jazz y el hip-hop vuelven a encontrarse, pero ahora se ven acompañados de elementos de la música clásica, creando un universo contenido en sí mismo; un excelente ejercicio cartográfico de territorios sin explorar. Pianos, violines y percusiones, resuenan con elegancia. Al entrar la batería y al escucharse las primeras rimas, cualquier duda inicial respecto a la efectividad de esta mezcla queda despejada, pues la finura sigue intacta. Los ritmos son sofisticados, fluidos y orgánicos, no se trata de esos beats programados y calculados que le dan el mismo sonido a muchos actos de hip-hop moderno.

Los versos son expresados con la misma delicadeza que en un recital de poesía. No es hip-hop puro, es una deconstrucción del género para hacerlo funcionar en este nuevo contexto. La parte experimental se asoma en los alargados pasajes instrumentales en donde la influencia de compositores como Steve Reich y Messiaen es bastante evidente. En ningún momento los diferentes estilos entran de manera abrupta en escena; en lugar de repelerse, aprovechan sus diferencias y encuentran los espacios perfectos para hacerse notar, o para esconderse tras el telón esperando ser llamados de nuevo.

Los últimos minutos de Origami Harvest son la consolidación de un nuevo paradigma musical que estuvo tomando forma y evolucionando frente a nosotros.

SCORE: 10

Marissa Nadler For My Crimes

Una historia que comienza siendo contada por el final; el inevitable desenlace para un personaje que sucumbe ante la locura después de que una relación significativa llega a un abrupto final. Esta confesión metafórica pone en marcha este álbum, en el que Marissa sigue puliendo su sonido melancólico y aunque no puede considerarse como una marcada desviación estética, la sinceridad detrás de cada tema es tangible. Se trata de una obra completamente emocional, un tributo al blues, country y folk clásicos (con sus respectivos toques modernos), géneros en los que lo único que un músico necesitaba, aparte de su instrumento, era una excesiva carga de historias y experiencias para contar. Sólo bastaban dos o tres acordes y mucho, mucho soul.

SCORE: 7.5

Sangre de Muérdago Noite

Melancólico folclor gallego para escuchar a media noche. Delicados compases, compleja y vasta instrumentación y composición conformada de elementos tradicionales como el arpa celta y la zanfona, técnicas idiosincrásicas de antaño como la polifonía y espectrales armonías de voz funcionan como una agreste máquina del tiempo que nos remonta a tiempos ancestrales. Noite nos regala música en su estado más puro para crear una ritualistica e íntima experiencia.

SCORE: 7.7

Jessica Moss Entanglement

La grandiosa impredictibilidad y cualidad dual de las partículas son representadas acertadamente a través de un enfoque híbrido, formado de componentes digitales y orgánicos como violines y voces; estos elementos son a su vez procesados e intervenidos pero sin perder su esencia natural. La única instancia en que hay ingredientes alterados hasta un punto irreconocible es en las notas que dan inicio al álbum. Con su efecto de barrido y su delay en triplete, estas pasan de un lado a otro, hasta ser opacadas poco a poco por el sonido de violines que se van apilando, como si las notas iniciales fueran formando las moléculas que más tarde le darían vida al instrumento y a la misma Moss, quien aparece minutos después, utilizando su voz para añadir más texturas, por fin dándole un toque humano a un concepto que nos trasciende, a pesar de estar presente en todo aspecto de nuestra existencia.

Entanglement es una obra que posee una callada majestuosidad debido a la austera instrumentación que maneja, ya que resalta la inmensidad que la rodea; da la impresión de haber sido grabado en el interior del LHC. El espacio se siente enorme y las notas viajan lentamente por el aire hasta rebotar y regresar a su fuente original, interponiéndose una sobre otra formando capas que después desaparecen para abrirle paso a nuevos sonidos que también se desvanecerán. Pocos pasajes se repiten. Todo es efímero.

SCORE: 9.5

Mouth of the Architect The Ties That Blind (Reissue)

A principios del 2000, la segunda ola de post-rock tomó por sorpresa al mundo con sus estiradísimas composiciones llenas de reverb, delay, tremolo picking y mucho, mucho dramatismo. Explosions in the Sky enamoraba a través de su esperanzada melancolía, Mogwai se hacía de más y más adeptos con su evolución musical y Godspeed You! Black Emperor seguía superando expectativas al mostrar todo lo que se podía lograr con todas esas técnicas, asegurando que el apocalíptico legado que venían construyendo desde el 97 siguiera intacto. El maridaje de este estilo con el metal, o con géneros más estridentes, ya había tenido su génesis con importantes e influyentes agrupaciones como Swans, Jesu, Neurosis e Isis, quienes ayudaron a posicionar el metal en círculos alternativos, alejándose de los clichés como los acelerados tempos y exuberantes solos de guitarra, optando por un énfasis en las texturas y en matices expresionistas, tomando tanto del ambient como del noise, del post-punk y no-wave, hasta del serialismo y repetición de compositores experimentales como Glenn Branca. Lentamente, este estilo se filtró por grietas en el pavimento descendiendo hasta la crudeza de las vertientes más underground de la música pesada, como el crust, y ya no era raro ver bandas con todo el uniforme propio del género, con equipo más sofisticado, alargando la duración de sus canciones y disminuyendo el uso del overdrive para demostrar su crecimiento como músicos.

Todas esas características se fueron empaquetando y reproduciendo en masa, tornándose cada vez más similares creando una crisis de identidad en varias de las agrupaciones a seguir. Al nacer el término post-metal la originalidad murió y el género dejó de ser interesante, pues el enfoque de los conjuntos emergentes se basó más en aplicar y cumplir con los requisitos para sonar como en vez de tomarlo como un punto de referencia.

Sin embargo, en el 2006, una banda oriunda de Ohio, la cual gozaba de modesta presencia en el círculo lanzó un disco que, a pesar de no pasar del todo desapercibido, tampoco los vio subir peldaños en el incestuoso mundo del post-metal. Este reissue resalta la grandiosidad de esta obra gracias a su remasterización.

Todos los clichés de la época están ahí, pero Mouth of the Architect los complementaba con composiciones cerebrales y angulares, con toques quasi progresivos que eran raros en el género. Complejos cambios de compás, estructuras que se dividían en desiguales piezas conectadas gracias a pasajes enfocados en resaltar la sección rítmica, recordando a grupos como Helmet y Tool, que contrastaban con la mayoría de las bandas que optaban por secuencias lineales que iban de punto A a punto B a punto C, con transiciones que simplemente se basaban en un cambio de dinámicas, pasando de un estruendo a un suspiro o viceversa; hasta cierto punto, era como escuchar a Pixies o Galaxie 500 tocando canciones en drop C que superaban los siete minutos de duración.

Con una ambición mayor a la de muchas agrupaciones similares, The Ties that Blind es un álbum bastante completo, representativo de su género y de su tiempo.

SCORE: 8

Octavian Nemescu Gradeatia*Natural

Debido a un milagroso intervalo de tiempo (1963-1971) en el que la estricta mano del régimen comunista rumano se tornó laxa, los artistas ya no eran obligados a hacer obras solamente para las masas o con fines de propaganda; ese forzado mantra de "es tu deber crear para los trabajadores porque ellos hacen todo para ti" se esfumó, cediendo el paso a la tan deseada, y necesitada, libertad creativa que hizo florecer a la comunidad artística. Uno de los aspectos más importantes de este nuevo comunismo más abierto, fue que, al ya no estar culturalmente aislados, las influencias de otros países empezaron a hacerse presentes en nuevas obras.

De este renacimiento cultural, del ámbito musical emergieron compositores clave para el movimiento experimental rumano, como Ştefan Niculescu, Horațiu Rădulescu, Iancu Dumitrescu y Octavian Nemescu, quienes incurrieron en corrientes como el espectralismo, música computarizada y la process music, gracias al acceso que ahora tenían al trabajo de músicos foráneos como Karlheinz Stockhausen, Edgard Varèse, Olivier Messiaen entre otros.

Lamentablemente, ese período llegó a su fin con la muerte de Gheorghe Gheorghiu Dej, quien fuera el responsable de esta liberación ideológica. Al ser sucedido en el poder por Nicolae Ceaușescu, el viejo régimen regresó, tomando como ejemplo el modelo norcoreano, poniendo en juego todo el progreso que se había logrado durante esos siete años. Tras el anuncio de que todos los edificios históricos serían demolidos para darle lugar a nuevas estructuras arquitectónicas, Octavian preparó Gradeatia, a partir de grabaciones de campo capturadas en las afueras de uno de los monasterios más antiguos y emblemáticos de Romania, con la intención de pintar un retrato sonoro a través de secuencias sintéticas, complementadas con las sutiles grabaciones naturales, preservando el entorno de dicho edificio antes de su derrumbe (lo cual no sucedió gracias a una innovadora estrategia).

Natural fue un ejercicio de sucesiones pre-grabadas que se iban acumulando poco a poco chocando entre sí, creando diferentes matices de timbre y tono, concluyendo en las discernibles pero inquietantes notas de un piano (tocando la escala que abre Gradeatia pero ahora en su estado natural) cerrando el ciclo temático de la importancia de preservar las raíces y al mismo tiempo mostrar apertura al cambio, pero no a una transformación impuesta, nacida de la destrucción, si no de una evolución generada por el conocimiento y la integración.

Aparte de ser un excelente registro de la música electrónica experimental, este álbum tiene la distinción de haber sido el primero del género en ser lanzado bajo uno de los mandatos más rígidos en la historia.

SCORE: 8.5

El Polen Cholo

Las revueltas sociales siempre juegan un papel importante en la emergencia de nuevo arte. Se rompen esquemas, se desafían paradigmas, por fin se cuenta con acceso a más acervo, más fuentes de influencia y en varias instancias, por fin se cuenta con la libertad para poder crear sin preocupaciones. En Estados Unidos se da el movimiento hippie como reacción de la políticas bélicas que dieron como resultado la invasión de Vietnam, y el cual funcionó como el catalizador para que al rock se le inyectara esa dosis de experimentación musical que culminó en el nacimiento de la psicodelia en la música. En la Alemania post-nazi surgen nuevas escuelas de composición, la música electrónica, ambiental y de la combinación de estos factores (entre otros), nace el krautrock.

En Perú, a raíz de un tumulto socio-político, después de que la dictadura de Belaúnde fuera derrocada por un golpe de estado orquestrado por Juan Velasco Alvarado, el país experimenta un boom de migración e integración de las marginadas comunidades campesinas las cuales llevaron sus costumbres -y su música- a las ciudades, haciéndose de un nuevo público. Esto se vio acompañado tanto de rechazo como de aceptación, siendo la juventud quien fuera más susceptible a estos cambios, creando movimientos de apoyo para estas comunidades.

Los hermanos Pereira (Juan Luis y Raúl), fundadores de El Polen, fueron parte de estas protestas en pro de la inclusividad y esto formaría a ser parte esencial de su acercamiento a la música, no sólo como escuchas sino como compositores. Mientras esta reestructuración social se llevaba a cabo, otros sonidos estaban llegando a las ondas de radio peruanas, lo que amplió el panorama auditivo para las futuras generaciones de músicos alejándolos de los sonidos un tanto estancados de la música popular del momento.

Tomando de la modernidad del rock, la rebeldía de la contracultura hippie (junto con su inherente psicodelia) y sonidos tradicionales andinos, con letras tanto en castellano como en quechua, El Polen funcionó como un reflejo de esta integración y de este nuevo multiculturalismo y este álbum fungió como la piedra angular para un sonido que seguiría vigente y relevante hasta la fecha.

SCORE: 8.7

M.A.L. My Sixteen Little Planets

Fundada por Rolf-Ulrich Kaiser en 1969, Ohr Records fue una de las piedras angulares para que el movimiento krautrock (o kosmiche musik) se pudiera desarrollar. Con sede en Alemania, el epicentro del género, Ohr fue la catapulta para actos como Tangerine Dream, Walter Wegmuller, Popol Vuh y Ash Ra Tempel. De este último, se desprende Manuel Göttsching, quien fungía como guitarrista y principal compositor. La influencia que las innovaciones técnicas y sonoras de Ash Ra Tempel (y derivados como Ashra) dejaron en la música experimental, electrónica y ambiental es innegable, aunque su contribución más substancial llega en 1975, con el lanzamiento de Inventions for Electric Guitar, que vio a Göttsching en solitario creando todo un universo entero, tan sólo con su guitarra y herramientas como pedales de efectos y una grabadora de cuatro pistas.

El músico alemán le dio al mundo una nueva luz bajo la cual ver el instrumento y su impacto fue tan profundo que sigue resonando en la actualidad gracias a la influencia que tuvo en grandes figuras como Brian Eno. Todo este preámbulo nos lleva a un predicamento en la línea temporal de estas innovaciones.

Según la leyenda, en 1974 Ohr recibió un demo desde Charleroi, una pequeña ciudad belga, bajo el nombre de My Sixteen Little Planets. El autor, M.A.L. (Daniel Malempré) era prácticamente desconocido fuera de la escena de su localidad. El contenido de esta peculiar grabación, veía a Malempré en solitario creando todo un universo entero, tan sólo con su guitarra y herramientas como pedales de efectos y una grabadora de cuatro pistas... un año antes de las sesiones para Inventions. Las razones por las cuales el demo fue descartado van desde la poca viabilidad comercial del proyecto, hasta cierta malicia tras la decisión de retenerlo; también es probable que se trate de una coincidencia y que dos grandes mentes estuvieron trabajando en conjunto de manera inconsciente.

Gracias al sello SubRosa, por fin es posible disfrutar de esta joya adelantada a su tiempo que permaneció en el anonimato por más de 40 años.

SCORE: 10

Slow Crush Aurora

Un update del shoegaze con todo lo que se puede esperar del género. Sin embargo, gracias a una excelente producción, las partes abrasivas estallan con un ensordecedor estruendo. Todo está perfectamente incorporado a la mezcla, haciendo de Aurora un disco bastante equilibrado.

Este es uno de esos extraños casos en los que no se está reinventando la rueda y tampoco se pretende darle un nuevo uso; simplemente se trata de mostrar lo bien que funciona cuando se utiliza correctamente.

SCORE: 7

Heads. Collider

Riffs que suenan casi post-punk, casi sludge. Abrasión que se quiere aproximar al noise y al shoegaze, pero le faltan overdrive, delay y reverberado. Furia barbitúrica y aletargados compases que apenas pueden mantenerse de pie. Una voz que suena a un Michael Gira (aún) más cansado de toda la mierda trivial.

Collider tiene un opiáceo encanto, y genera el mismo nivel de adicción.

SCORE: 7.8

Low Double Negative

Una magnífica urdimbre de experimentación musical que juega con rugosas texturas y todas las vertientes que se pueden desprender de una gama acústica altamente procesada. Low rescata la esencia del post-rock (first wave, cuando era interesante) regresando a esa premisa de "using rock instrumentation for non-rock purposes".

Al igual que Talk Talk lanzando Spirit of Eden cambiando radicalmente su estilo (dándole vida al género anteriormente mencionado), o Radiohead haciendo trizas su identidad para poder engendrar Kid A, Low deconstruyó su esencia con el fin de crear algo nuevo. Con esa meta en mente, trabajaron con B.J. Burton, quien ha producido a artistas como James Blake, Bon Iver y Kanye West y aunque ya habían trabajado juntos en su placa anterior, Zeros and Sixes, es en este álbum donde le permiten dejar su sello, ahora también como compositor. Esta adición amplió su panorama y les brindó diferentes enfoques para abordar la manipulación de los instrumentos y las voces, dotando a esta obra de un granuloso eclecticismo que mezcla ambient, noise, dub, post-rock y una especie de "ciber-folk" bastante interesante.

"Quorum" tiene la calidad de una lejana señal de radio que apenas cuenta con la fuerza suficiente para que los canales de audio capten su frecuencia. El mensaje se desmorona entre toda la estática haciendo imposible discernir lo que se está queriendo transmitir. Al llegar a su fin, lo que queda es confusión. Apenas pasaron tres minutos y la sensación fue la de haber experimentado un tema larguísimo.

Precisamente este es el efecto que persiste durante todo el álbum. Muchas de las canciones están tan enterradas bajo su pesada producción, que es difícil descifrar lo que está debajo; como si las canciones estuvieran atrapadas bajo la capa de hielo en un río congelado y el agua ahogara sus palabras mientras golpean con fuerza para poder liberarse. El toque de Burton es bastante evidente en temas como "Always Trying to Work It Out", "Rome (Always in the Dark)". "Tempest" o en cualquier otro donde la dicción sea tangible, pero no del todo clara, pues será inevitable hacer la comparación con ese sonido característico de la voz que reinaba en The Colour in Anything o en varios temas de West. "Always Up" también carga con similitudes a Blake en cuanto a estructura y en los arreglos líricos.

En piezas como "Fly" y "Dancing and Fire" hay vestigios del "viejo Low" en las bífidas armonías vocales y el sosiego en la espaciosa ambientación; estos elementos, que ya son clave en la personalidad de la agrupación, se ven beneficiados y aumentados por la claustrofóbica producción. Sin embargo estos temas cuentan con una ventana al exterior y pueden respirar libremente.

Double Negative es una áspera experiencia, pero así se siente adentrarse en rumbos desconocidos; el truco está en no sentirse perdido, sino en verlo como la oportunidad de encontrar algo nuevo a cada paso, y con Low guiando el camino, sabemos que eventualmente encontraremos la calma.

SCORE: 9.5

Black Thought Streams of Thought Vol. 1

El ex-integrante de The Roots por fin debuta oficialmente como solista, acompañado de la vívida producción a cargo de 9th Wonder, en la que cada sample suena de manera lúcida, dejando ver su gran carga de afro-beat, r&b y una gran influencia de Nas y J Dilla, en cómo los beats no suenan abrasivos sino que fluyen y se integran de manera natural con lo que se está sampleando. El distintivo flow de Tariq (Black Thought) atrapa instantáneamente con sus complejas rimas y juegos de palabras, creando intrigantes laberintos poéticos.

SCORE: 7.8

Armand Hammer Paraffin

Lo contrario a Streams of Thought Vol. 1, esta placa es una sofocante experiencia, que retumba con una distorsión inheremente urbana, totalmente East Coast noventero, con un inconfundible toque moderno. Los beats suenan ominosos, altamente procesados, pero con crudeza; como si estuviesen siendo tocados desde un viejo boombox mientras Elucid y billywoods intercambian sus lodosas rimas, igual de espesas que la producción.

SCORE: 8

August Greene August Greene

Una exitosa triada conformada por Common, Robert Glasper y Karriem Riggins, quienes a base de voz, piano y batería respectivamente, confeccionaron un álbum de una palpable tersura; una íntima mezcla de jazz y hip-hop con un aire bohemio, despojada de glamour innecesario, dejándola sólo con los elementos esenciales para hacer llegar su mensaje. Common expresa sus líneas con una afable cadencia, con esa tranquilidad que ya es parte de su sello; sus versos cargados de observaciones sociales se entrelazan armoniosamente con las escalas y acordes de los teclados. Los ritmos de Riggins recorren con finura cada espacio

August Greene es el sonido de tres mentes maduras uniéndose para dar un mensaje sincero, sin dejarse llevar por los trends. Es una entrega honesta que destaca por su sencillez.

SCORE: 8.2

Sons of Kemet Your Queen is a Reptile

Afro-beat, dub y jazz funcionan como celebración de una cultura y al mismo tiempo protestan por su marginación. Your Queen is a Reptile es una denuncia donde cada canción es una insignia, un cartel demandando igualdad y validando una identidad a través de una agresiva ejecución. Las percusiones son punzantes e insistentes creando un trance, como si se tratase de una danza tribal; las notas elegidas son confeccionadas con ansiedad y se propagan tensas por el ambiente dándole al álbum un acertado sentido de urgencia que va de la mano con su crítica social.

SCORE: 8.2

GoGo Penguin A Humdrum Star

En su cuarta entrega, los oriundos de Manchester presentan un compilado menos variado que proyectos similares como The Cinematic Orchestra, pero con el mismo toque de elegancia.

La entrega y la ejecución son intensas, especialmente la batería, que mantiene el ritmo con firmeza, incluso cuando los frenéticos (por mensurados) arpeggios y staccatos del piano incurren en escalas con tiempos irregulares.

A Humdrum Star es una obra nu-jazz sin los elementos electrónicos que en ocasiones hacían que los proyectos del ámbito tuvieran un estilo intercambiable; es la enérgica respuesta a un género que estaba por quedarse estancado en la monotonía.

SCORE: 8.4

1000 Kings Raw Cause

Enérgico jazz fusión que se aleja de los clichés del género al darle un toque bastante actual a sus piezas sin perder la esencia del jazz clásico. Raw Cause comienza con una figura de bajo que da la impresión de pertenecer a otro género, pero al entrar la batería y el saxofón, queda claro que la agrupación no se deja llevar por los estándares, sino que sabe elegir qué utilizar de estos para acoplarlos a su sonido y fusionarlos de manera coherente sin que la mezcla suene dispar ni saturada. La batería mantiene todo en orden -y desorden- con sus ritmos que por su precisión pueden sonar robóticos, sin embargo, en esas instancias en que la agrupación londinense incurre en pasajes á la Coltrane, los ritmos son ejecutados con soltura y groove dotando a las piezas de un toque humano y orgánico.

Esta placa es una intensa experiencia llena de tintes de afro-beat, blues, rock progresivo, hip-hop y free jazz.

SCORE: 8.4

Andrew Cyrille/Wadada Leo Smith/Bill Frisell Lebroba

Tres gigantes del jazz se fusionan en este elegantísimo ensayo dedicado al free jazz. Cada engrane rueda con precisión para mantener el movimiento -a veces descuadrado- de esta obra dejándola que fluya sin interrupción, incluso en sus momentos más abstractos. Tratándose de músicos con una larga experiencia, saben cuándo ceder el paso para que uno de los instrumentos brille en solitario durante algunas barras, para luego trabajar en conjunto, desordenando y poniendo todo en su lugar de nuevo; se siente como estar viendo a un grupo de científicos jugando con sus materiales, casi destruyendo el laboratorio donde trabajan, pero consiguiendo resultados magníficos.

SCORE: 8.8

Clau Aniz Filha de Mil Mulheres

Una atmósfera nocturna. Ritmos lascivos. Tímidas líneas de bajo que se mueven lentamente. Acordes que marcan un compás en donde la voz de Clau, con su aliento a Sade, reposa, meciendo sensualmente las palabras que pronuncia.

Filha es una tenue exploración de diferentes géneros, haciendo difícil su descripción. Su genialidad radica en el ingenio con el que estos se presentan; se pueden apreciar las influencias, pero el sonido es uniforme. Es notorio el gran sentido de asimilación que tiene Aniz y su banda para apropiarse adecuadamente de cada estilo que quieren manejar de tema en tema. Un excelente ejemplo del eclecticismo llevado a la práctica de manera correcta. Es una obra con identidad propia.

"Berro" se mantiene gracias a un bajo dub, sin que el tema se pueda denominar como tal; es hasta al final que este género sale a flote por un breve instante, con sus espaciosos efectos de sonidos y guitarras skank.

Esta dinámica también se da en el tema “Romana”, en donde los últimos minutos son envueltos en un crescendo post-rock, el cual no se puede decir que aparezca de la nada o que se sienta como un cambio abrupto, pero sí sorprende pues no es un género que se espere escuchar en un disco con matices jazz, r&b, y aunque esa técnica ya ha sido explotada de sobremanera, debido a esta mezcla de estilos, se siente fresco, añadiéndole bastante a la pieza.

Uno de los riegos más grandes que se pueden suscitar en trabajos tan versátiles, es el hecho de que la fluidez del álbum pueda verse comprometida debido a los cambios tan dispares. El mejor ejemplo sería "Voyage Roset" con sus tintes progresivos y su angular guitarra inicial que podría sonar fuera de lugar a primera instancia, pero conforme avanza, queda claro su lugar en este compilado. Funciona mejor si se le ve como un interludio que marca el cambio de mood, ya que después de este, la melancolía de las canciones anteriores se despeja un poco.

Cada tema tiene esa estructura similar, en la que, por unos minutos o segundos, el estilo musical que yace en el fondo tiene su momento donde se le permite salir a la superficie, como una especie de homenaje. Su presencia es efímera; se presentan y luego se esfuman para recordarnos que estamos ante una obra única.

SCORE: 9.5

Lingua Ignota All Bitches Die

Una sombría historia de supervivencia y retribución contada a lo largo de cinco implacables temas que combinan armonía, cacofonía, belleza, y violencia, todo bajo una intensa penumbra. Kristin Hayter toma de sus experiencias personales plasmándolas en una narrativa con toques bíblicos, pintando brutales imágenes apocalípticas que simbolizan una monstruosa transformación en respuesta a toda la crueldad de la que el personaje ha sido objeto.

All Bitches Die cubre un amplio rango anímico, pero todo en congruencia con la temática principal. Pasando de un fúnebre estilo industrial arropado de turbulenta estática, pasajes dark ambient a delicadas escalas emanadas desde un solitario piano que parece levantar una densa nube de polvo con cada nota, los sentimientos de ira, desesperación y el deseo de represalia contra ese mal sin rostro, retumban a lo largo de todo el álbum, como esquirlas de bala, siendo resaltados por la transformable voz de Hayter, que, al igual que la música que compone, fluye sin esfuerzo aparente entre ásperos e inclementes gritos, y elegantes coros de rango operático, que, a pesar de la estética tan dispar, nunca pierden esa desgarrador golpe emocional.

SCORE: 8.2

Reverorum Ib Malacht Im ra distare summum soveris seris vas innoble

Reverorum Ib Malacht es Roman Catholic black metal y se mofa de la pseudo maldad de tu proyectito metalero.

Dejemos que esa sea la sinopsis del álbum.

SCORE: Fuck. your. satan. (8.5)

ION A Path Unknown

Black metal de fluida ejecución, con un excelente manejo de dinámicas. Las piezas evolucionan a través de diferentes movimientos que se filtran y se deslindan sin esfuerzo con las partes que les preceden y anteceden, dándole una estructura lineal, pero fluctuante, creando una psicodélica y matizada secuencia de eventos que nunca pierde su inercia y resulta bastante envolvente, ya que a lo largo del álbum, se pueden escuchar guiños a diferentes estilos como ambient, post-punk, thrash y shoegaze, haciendo que A Path Unknown sea una obra muy completa.

Mucha de la variedad musical se debe a la guitarra, con su inventivo uso de arpeggios, triadas, tremolo picking, power chords, ritmos en síncope, efímeros requintos con toques jazz fusion y, con su muy bien calibrado efecto de chorus, remite a guitarristas ajenos al metal, como Andy Summers y la amplia ambientación que salía de sus acordes. Por más descabellado que pudiera sonar, esos interludios ambient en los que la agrupación entra después de sus instancias más aceleradas, tienen esa cualidad espaciosa del famoso intro de "Walking on The Moon".

SCORE: 9.5

Instrumental (adj.) Reductio Ad Absurdum

A pesar de profesar una amplia gama de influencia musical, Instrumental (adj.) no se aleja mucho de ese sonido neo-prog, que mezcla elementos del jazz-fusion, metal y progresivo que -muchas veces- funcionan más como tarjeta de presentación de las habilidades técnicas de cada integrante, que como un vehículo para ofrecer piezas entrañables que se puedan registrar a un nivel no sólo analítico, sino también emocional. Sin embargo, algo que distingue a este modesto supergroup, es la prudencia con la que se presentan. El trío evita caer en actitudes vanidosas haciendo entregas breves y concisas.

SCORE: 7.2

Odradek Pentimento

Evidentes toques de post-hardcore y una clara influencia de agrupaciones como Rodan y The Mars Volta (en los momentos menos indulgentes de Deloused) dan como resultado una placa que se defiende bastante bien dentro de un género que ha engendrado miles de proyectos similares. Odradek ha manejado el mismo sonido desde su debut Homúnculo, aunque poco a poco han ido dejando los sutiles toques de latin-jazz que los distinguía y probablemente sea un elemento que se extrañe, pero la agrupación compensa esta pérdida con un mejor manejo de voces.

Algo que Odradek siempre ha tenido a su favor es la naturalidad en se ejecución. Siempre han permitido que los cambios de tiempo, tan característicos del math-rock, funcionen como un elemento más que enaltezca a los temas. Son utilizados con reserva y no como un mero desplaye de habilidades técnicas.

SCORE: 7.8

Natalia Lafourcade Musas (Un Tributo al Folclore Latino en Mano de los Macorinos) Vol.2

Un rústico abrazo de nylon y madera, que te envuelve con cada arpeggio y rasgueo.

En estas adaptaciones de temas clásicos de la música popular latinoamericana, la cantautora (en compañía del dúo Los Macorinos) reafirma el dominio que tiene para manejar este estilo y el peso de la influencia que este tiene en ella, pues la ejecución e interpretación se dan con tal naturalidad y fluidez que los hace sonar frescos, incluso como propios, pero sin sacrificar ese toque de antaño que viene a la mente cuando se escuchan las versiones originales de estas canciones. Incluso en sus tres composiciones originales ("Danza de Gardenias", "Hoy Mi Día Uno" y "Un Derecho de Nacimiento"), la dicotomía de modernidad y tradición es manejada cabalmente.

Una elegancia añeja y una sofisticada producción moderna, resaltan esa cualidad anacrónica de la que Natalia ha sido poseedora desde el lanzamiento de Las 4 Estaciones del Amor.

SCORE: 8.8

Guro Moe/Lasse Marhaug La Región Salvaje OST

Una claustrofóbica entrega, con resonancias tan bajas como los deseos de cada uno de los personajes del filme. Una multitud de músicos -entre ellos Jenny Hval, John Mccowen y Håvard Skaset- trabajan en conjunto para crear, más que un score como tal, una traducción sonora de las imágenes que se están suscitando en pantalla, una representación musical más que un acompañamiento. A veces funciona, otras no tanto; sin embargo, lo que está garantizado es que, al igual que la película, confrontará e incomodará al escucha.

SCORE: 7.2

Colin Stetson Hereditary OST

El estilo abrasivo y único con el que el multi-instrumentalista ejecuta los metales, funciona a la perfección como el score de un excelente filme de terror como lo es Hereditary. Sus percusivos ostinatos se arrastran violentos y ansiosos como un animal vermiforme y sin cabeza; las notas emitidas con cada soplo suenan deshechas, como sangre salpicando de una monstruosa herida. No es hasta el final que los arpeggios se tornan un poco más claros, pero para entonces ya es demasiado tarde.
Su única falla es que, en su mayor parte, depende bastante de su contraparte visual, haciendo que su escucha por sí solo llegue a parecer tediosa e incluso un poco repetitiva, a pesar de que, en esencia, no se aleja mucho del trabajo que Stetson maneja fuera de la composición de bandas sonoras. Sin embargo, en los momentos que brilla, lo hace con una luz tan intensa, que los temas de relleno pasan desapercibidos.

SCORE: 8.3

Jonny Greenwood The Phantom Thread OST

Un excelente ejemplo de un score que no sólo funciona para complementar la película a la que pertenece, sino que también cumple como una obra aparte, sin la necesidad de ligarlo a las escenas del filme, o sin siquiera haberlo visto. Aún si este fuese el caso, el escucha podrá notar que esta placa tiene una cadencia narrativa, recurriendo al uso de leitmotivs a lo largo de su duración, en los cuales se muestra un arco evolutivo pues cada que el tema principal aparece, este tiene un nuevo mood y la instrumentación cambia. The Phantom Thread se sostiene por sí sólo como una exquisita labor de música clásica contemporánea.

Acompañado de una orquesta de 60 músicos, Jonny Greenwood demuestra cómo es capaz de tocar cada fibra del espectro emocional con sus composiciones. Al mismo tiempo, a cada sentimiento emanado se le concede un aire de suspenso y tensión debido a las leves disonancias en las cuerdas; sin embargo en esta obra, el compositor se aleja un poco de la agresividad al incurrir en esta técnica, optando por que las discrepancias se den más como leves vestigios en las tonalidades de los instrumentos, que en su ejecución. Esto resulta aún más inquietante que en los scores de There Will Be Blood o You Were Never Really Here, pues las atonalidades aparecen como fantasmales psicofonías, luchando por hacerse notar incluso en las piezas más serenas.

El score es una oda a la dedicación y la belleza que resulta de esta, sin ignorar la exhaustiva obsesión que muchas veces actúa como la verdadera fuerza motriz detrás de dicho afán. Esto se refleja en la primera instancia del tema principal, con sus angustiantes legatos en el registro alto que se tornan cada vez más rígidos, dando la impresión de que las cuerdas están por ceder ante la tensión, hasta pasar al registro medio con la misma melodía, la cual empieza a sonar más tranquila, con más seguridad; suena como si la pieza se estuviese creando a sí misma en tiempo real.

Con The Phantom Thread, Greenwood revela una capa más dentro de su ecléctico y atemporal cúmulo musical, de donde el músico extrae a voluntad dependiendo la ocasión.

SCORE: 10

Sun Kil Moon This is My Dinner

Un peldaño más en la inevitable transformación de Mark Kozelek, quien poco a poco ha pasado de excéntrico trovador capaz de crear reflexivas piezas, a la versión indie de "Old Man Yells at Cloud".

Sólo basta con imaginar esta escena:

Una noche cualquiera en un restaurante en donde cada jueves hay noche de open mic, y lamentablemente para ti, hoy es jueves.

A lo lejos, ves a cuatro personas que se levantan y se dirigen al escenario. Afortunadamente se trata de un grupo de músicos competentes que comienzan a tocar piezas instrumentales bastante expresivas por sí solas; las identificas como una bella mezcla de un post-rock muy minimalista con mensurados y sutiles ritmos de jazz, lleno de (siempre efectivas) séptimas disminuidas, discretas líneas de bajo, una austera pero matizada batería y sólo te queda rogar que, a menos de que Sam Prekop se encuentre entre los comensales, nadie elija subirse a tomar el micrófono.

Un leve nerviosismo te invade cuando ves que tu jefe -un señor de 52 años, fanático del box y de los países escandinavos, quien está pagando por la cena, las bebidas y quien ha estado muy serio desde que llegaron- se pone de pie. Te intentas convencer de que todo estará bien, pues podría tratarse de una llamada que debe atender afuera, o de una ida al baño; sin embargo, el leve nerviosismo inicial se convierte en pánico al darte cuenta de que no se dirige ni al baño ni a la salida, se dirige al escenario.

A lo largo de una tortuosa y penosa hora y media, tu jefe, con un total desdén por la coherencia temática y las rimas, forzó a un público -y a un backing band- demasiado amable como para pedirle que se detuviera, a escucharlo "cantar" por su amor a Noruega, su hotel favorito en Suiza y su amistad con Justin Broadrick; alardeó sin decoro sobre sus tríos en Copenhagen y sus affairs con fans en Oslo, para después lamentarse porque sus proezas sexuales van en declive debido a su edad; "imitó" a Linda Blair al comparar la tos de una niña que conoció en un vuelo con la infame escena del vómito en The Exorcist (que, junto con sus covers de Rock N' Roll Singer y C'mon Get Happy, fueron de los momentos que más pena ajena te causaron). Sin embargo, dentro de toda esa absurda indulgencia y verborragia, se pudieron notar momentos de sincera vulnerabilidad donde no pudiste evitar sentir lástima por él o por algunos de los personajes de sus tantas historias, y sin darte cuenta, la incomodidad se disipó pues te encontrabas realmente atento a lo que se contaba desde el escenario.

Así se siente este álbum; la imagen de un hombre deshaciéndose frente a su público, cediendo ante fuerzas que están fuera de su control, y aunque está plagado de historias tediosas, habrá ciertos pasajes en los que el escucha no podrá evitar verse reflejado. En lo personal, fui muy susceptible a los comentarios que hacen alusión a cómo el tiempo va deteriorando todo; en especial en cuestiones de edad y a esas menciones que hace sobre su mascota (sad face) en la canción homónima del disco. El buen arte tiene el poder de mover al espectador y bajo esta afirmación, se entiende que cualquier emoción es válida; siempre y cuando la obra en cuestión evoque algún sentimiento y no resulte indiferente, se puede tomar como exitosa, y This is My Dinner no falla en ese aspecto.

La música tiene un potente punch emocional que hace tolerable la mayor parte de los discursos de Kozelek, y logra resaltar -por más breves que sean- las partes en que ese viejo y profundo trovador, que en su tiempo nos dio brillantes obras como Benji, sale a luz.

SCORE: Blaaaaaaaaaaaaaaagh!

Book of Air vvolk Se (in) de bos

El tiempo y su incansable andar, con su incorpórea fuerza que golpea todo cuanto se encuentra a su camino; nos afecta a un nivel microscópico y macroscópico que resulta especialmente aterrador, pues esos son los cambios notorios. Probablemente se trate de un largo proceso, lleno de microcambios que lentamente se van apilando, pero al final su presencia es innegable.

De pronto aparece una arruga en la piel y ya no hay marcha atrás.

Esta obra se ocupa de las transformaciones sutiles, las que, en su mayoría, pasan desapercibidas, como el cambio de tonalidades en el cielo del que sólo nos percatamos cuando ya oscureció o amaneció totalmente. Una monumental pieza que juega con nuestra percepción temporal y sonora por medio de sus imperceptibles transiciones. Las notas apenas se mueven, quedándose suspendidas y etéreas, generando un efecto de trance tras la espera de algún cambio; al igual como cuando de niño mirabas fijamente una fotografía esperando a que algo pasara.

Así funciona Se (in) de bos. La primera vez te acercas con ese sentido de asombro y maravilla tan infantil, y al terminar, tal vez sólo quede decepción tras darte cuenta de que el retrato nunca se va a mover sin importar qué tanto te concentres.

A pesar de ese sentir, repites la experiencia -esta vez ya al tanto de que no habrá un big bang o incluso un small bang- y al fin lo logras comprender: No se trata de esperar notar un cambio dentro de la foto, sino de notar todo lo que la compone. Ahora aprecias el polvo encima del librero que está al fondo; a aquel insecto postrado en la esquina que ha quedado inmortalizado en esa imagen; incluso logras apreciar cómo es que factores ajenos a la fotografía cambian tu perspectiva de esta, como las huellas que se han quedado plasmadas por todas las personas que la han sostenido en sus manos y cómo son iluminadas por la luz que entra por tu ventana. Puede tratarse de cosas obvias, pero ahora son resaltadas con un discreto soundtrack.

En esas notas aparentemente inmóviles están escondidas miles de canciones; actúan como una sopa primigenia en donde todas las posibilidades están contenidas, flotando en una Pangea musical. Probablemente no justifique su duración de una hora, ya que eso hace merma un poco la experiencia tornándola un poco cansada, pero así como al aprender a manejar un telescopio accidentalmente ves toda la inmensidad del firmamento antes de dar con las coordenadas exactas, es un ejercicio frustrante y maravilloso al mismo tiempo.

Book of Air crea una experiencia que va más allá de lo musical, bastante apegada a la filosofía y obra de John Cage (en especial su infame obra 4'33''), obligándonos a poner atención no sólo a las notas que apenas y salen de sus instrumentos, sino a lo que no se toca también.

SCORE: "Things have their shape in time, not space alone. Some marble blocks have statues within them, embedded in their future".