Lanzamientos que van desde lo aceptable a lo magnífico (según nuestros oídos).

Mare Nectaris - The comedy and the sourcery

La ilustradora Gabriella Molina debuta con un álbum bastante discreto e íntimo que pareciera tener como objetivo dirigir nuestra atención fuera de sí, a nuestro entorno, más que a las piezas que este contiene. Cada track pareciera estar floreciendo ante nosotros, y su asombro por este nuevo mundo al que están llegando es contagioso; la energía de The comedy fluye delicadamente hacia el exterior, con un estilo similar al folk psicodélico y amorfo de Jüppala Kääpiö, con la distinción de que todo es ejecutado por Gabriella.

No hay estructura alguna. Por momentos se pueden apreciar arpegios en la guitarra, voces, y después todo se torna nebuloso, abriéndole paso a sonidos de timbre gentil y misterioso. Realmente no se puede decir que haya momentos memorables, pero esto no es por falta de calidad; incluso me atrevería a decir que es intencional. Las piezas son completamente improvisadas y, en palabras de la misma Gabriella, fueron tocadas para aquellos/as amigas/os que se quedaban dormidos/as en su cama. Y es debido a eso que The comedy termina por tener un filtro borroso, haciendo que este se sienta como ese crepúsculo entre el sueño y la vigilia, ese punto en que, segundos después, nos encontramos en el auge de una historia que pareciera ya llevar horas.

Este es un álbum en donde la suma de las partes crea un todo bastante afable, y en el que intentar desmenuzar cada pieza podría no resultar tan fructífero. El diseño sonoro y las texturas pos sí solas podrían no darnos algo que no se haya experimentado antes, pero en conjunto realmente logran crear un estado anímico bastante específico, y lo mejor, es que Gabriella lo mantiene estable en todo momento; de una manera bastante entrañable, la artista logra capturar la esencia de los sueños a través de sus piezas inconexas e intrigantes.

Florence Adooni - Mam Pe'ela Su'ure/Naba Afreda

Con esta brevísima entrega, la artista ghanesa reversiona un par de cantos de alabanza, clásicos de la cultura Frafra, dotándolos de una vasta instrumentación y mucho groove. A pesar de sonar modernas, ese toque funk setentero proporcionado por los músicos del colectivo High Life, hace que las piezas retengan su esencia de júbilo y celebración.

Las guitarras se mueven con esa cadencia inconfundible y tan inherente al continente africano y en el track homónimo, los fraseos de Akule Pepe son sublimes. La fusión de los instrumentos es sólida y precisa, haciendo que los ligeros destiempos se sientan naturales y en sincronía con la voz de Florence, quien opta por una cadencia y entrega bastante peculiar, casi fuera de ritmo, pero acentuando en los momentos adecuados para que todo se sienta en balance.

En ambos tracks, cada partícipe da lo mejor de sí, incurriendo en interesantes líneas que, al separarlas, nos dan material que vale la pena analizar, pero que en conjunto, logran crear algo que va mucho más allá de su valor técnico.

SUNNESTHER - En El Lugar Más Triste De Mi Corazón

Mientras que la productora y artista hidalguense prepara su esperado álbum (el cual ya ha pasado por diferentes versiones y se ha paseado entre diferentes sellos), Sunnesther nos aplaca las ansias con un EP en el que temas ya existentes de reggaetón son lacerados y arropados con la bizarra esencia que ya es sello inherente de esta artista.

El ritmo distintivo del reggaetón está ahí, inconfundible e insistente, pero los tracks dan la impresión de haber sufrido una herida pues su andar es torpe. Las voces y la instrumentación, con el pitch rebajado y disonante, son un reflejo oscuro de la típica imagen festiva y enérgica que suele asociarse con este género. Todo está nublado por el influjo de Sunnesther, quien parece estar completamente removida de la ecuación, simplemente dejando que sus creaciones anden por sí solas, dopadas y bajo el estupor de un vaporwave ominoso.

El track sin título nos regresa a los ejercicios de ambient y sampleo de trabajos pasados Sunnesther, y lo que nos depara el final de este EP es un ejemplo de ese lado turbio y ácido: una pieza drone a la que le da pulso una sucesión de samples de comerciales televisivos y el audio de uno de los videos más virales del infame Blog del Narco.

Es un cliché decir que un/a artista le da vida a un tema al que decide intervenir a manera de homenaje o cover, pero a veces tiene algo de cierto; sin embargo, en el caso de Sunnesther, pareciera que es lo contrario: esta parece arrebatarles la esencia vital, dejándonos con cuerpos vacíos y alterados, pero que, incluso así, resultan más interesantes que de lo que eran en vida.

V/A - Mansplained!

Para celebrar su primer aniversario, el sello Commando Vanessa lanzó este compilado, exponiendo trabajos seleccionados de gran parte de su catálogo. Las prácticas que podemos encontrar van desde el industrial, collages sonoros, noise, ambient, electrónica tanto en sus ramas abstractas como en lo más bailable, y demás posturas que, aunque distintas entre sí, comparten un aire de lucha y disrupción.

El lado industrial lo proveen Black Propaganda -con su intrigante track "The shadow valley"- y The Marquise con la pieza encargada de cerrar el álbum. La primera tiene brechas más amplias dentro de su sonido, acercándose más al dubstep o un synthwave amenazante; por el contrario, The Marquise es agresión directa, seca y pura. En el segundo track, Marie Guilleray presenta discursos a los que les cambia la velocidad y el pitch, a veces aglomerados con sonidos y suspiros acelerados, hasta que estos enunciados se cortan y mezclan entre sí.

Innocent Heretic, en compañía de RUIN, presentan el track más extenso y matizado de todo el compilado. En sus ocho minutos, pasamos de texturas vocales, a un beat electrificante, para después pasar a una sección con tintes de deep techno, dinámica que se extiende en el siguiente track, "Hysope" de Deeat Palace, con sus beats descuadrados.

Mansplained! es un compendio con cambios abruptos, pero con un hilo conductor bastante sólido. A pesar de la diferencia de estilos, podemos deducir, sin tener qué fijarnos en el tracklist, que si bien no se trata de la misma artista, sí se trata de esfuerzo colectivo con una meta en común. No hay track que se sienta fuera de lugar ni de relleno; este es un sampler bastante efectivo que sirve como una introducción al idiosincrásico mundo del sello italiano.

Leila Bordreuil - Not an Elegy

Combinando las propiedades sonoras de los espacios abiertos y las técnicas extendidas para chelo, Leila Bordreuil presenta dos contrastantes piezas improvisadas en las que la saturación, el silencio y los elementos del entorno pasan a formar parte de las composiciones.

Not an Elegy abre con un estridente chelo cuya reverberación se agiganta gracias a la estructura que tienen los pasillos del tren subterráneo, en el que Leila y su instrumento se encuentran fusionadas, creando un estridente trance. El raspar del arco con las cuerdas resuena con un timbre áspero, mientras que, ya adentrados en la pieza, al fondo podemos apreciar gritos y el andar de un tren. Bordreuil se encierra en un bucle de frenesí y calma dentro de un espacio que no es ajeno al bullicio, pero que, debido a la pandemia, se encontraba casi vacío.

Por el contrario, “Past Continuous” es un subarmónico espectral del que se desprenden tonalidades no menos misteriosas. Esta pieza se hace de frecuencias tímidas, pero ominosas, en un espacio menos concurrido e íntimo para la artista, y si hay algo qué resaltar, es la manifestación de matices y distorsión natural que se da gracias a la caja de un piano que fue utilizado como una especie de amplificador orgánico.

Not an Elegy refleja dos constantes de la vida moderna: el ajetreo que se puede llegar a experimentar en los espacios abiertos, y esa sensación de aislamiento que nos acecha al estar confinados en nuestros aposentos. Ambos conceptos han sido explorados por infinidad de artistas, pero Bordreuil logra hacer hincapié en lo esencial, sin la necesidad de utilizar tantos recursos.

Roxane Métayer - Éclipse des ocelles

La artista multidisciplinaria, Roxane Métayer, trabaja las cuerdas del violín con un aire de espontaneidad y una paleta tímbrica bastante extensa. En este, su debut en solitario, Métayer añade más instrumentos a su arsenal y fluctúa entre la improvisación y lo premeditado, entre la armonía y la disonancia, para darnos una obra profunda y rica en texturas orgánicas.

El trabajo de Métayer se puede catalogar como folk, pero con destellos de modernidad; todo lo que escuchamos es completamente orgánico, pero la tecnología es aprovechada de manera sutil, no para compensar alguna carencia, sino para expandir las propiedades sonoras del violín, los instrumentos acompañantes o de su propia voz, la cual enuncia poesía en su lengua natal o leves silbidos que armonizan con las melodías ejecutadas.

A lo largo del álbum, nos encontraremos con diferentes técnicas para tratar las cuerdas, que van desde duraciones extendidas, pizzicatos, hasta nerviosos trazos con un timbre rasposo -casi atonal-; sin embargo, esto no se trata de una exhibición de virtuosismo por parte de Roxane. La violinista crea sus piezas pensando en un todo, con un enfoque expresionista, y eso es mucho más efectivo que incurrir en complejos trazos sólo para reafirmar sus capacidades técnicas.

Cada pieza de Éclipse se beneficia por este desapego a la formalidad y se mueve libremente con transiciones fluidas, y acompañamientos que complementan y acentúan en lugar de existir sólo para robar protagonismo; las piezas de Métayer nos invitan a ir encontrando los detalles que surgen a partir de la fusión de sus elementos.

KOI - Laguz

La productora mexicana reedita su álbum debut a través del sello capitalino OTONO, el cual optó por añadir material extra, expandiendo una obra ya de por sí bastante amplia. Laguz es de avance lento, pero cada paso es esencial; las piezas se extienden con un aire hipnótico, pero también emanando cierto desasosiego.

Lo de KOI encaja en las hendiduras del deep-techno aunque también lucha por no quedarse encerrada dentro de estas limitantes. Hay pasajes compeltamente fantasmales, faltos de pulso o con latidos bastante tenues, y hay momentos de saturación ácida y psicodélica. Las texturas sonoras son profundas y nos invitan a perdernos en sus entrañas; al mismo tiempo, un viento áspero nos mantiene a raya gracias a ritmos punzantes de timbre agudo y penetrante.

A pesar de contar con tracks extras, estos se incorporan bastante bien a la narrativa y estética de los originales, haciendo que la fluidez de Laguz no se vea afectada. Como en todo recorrido, hay paisajes más memorables que otros, y aunque Laguz es constante, son los tracks con más pulso los que logran penetrar más en la psique. Temas como “SOWILO” y “LIBELULA JAM” (uno de los bonus tracks), demuestran la habilidad de KOI para edificar monumentos sonoros que parecen irse derrumbando a medida que se elevan, dando pie a nuevas estructuras. Laguz es un homenaje a la evolución y crecimiento constante.

Himukalt - Between My Teeth

Sofocante y abrasivo es como se podría resumir esta nueva entrega por parte de Ester Kärkkäinen, quien continúa expandiendo su sonido de power electronics con tonalidades extremadamente oscuras y consistencia densa. Aunque estamos ante una obra propiamente del género con sus elementos casi intactos (vocales recitadas y distorsionadas, estallidos repentinos de estática y ritmos punzantes) la oscuridad emanada por sus piezas tiene un sello propio; en esencia, no es muy diferente a Genocide Organ, Deathpile o Brighter Death Now, por mencionar algunos, pero tampoco se trata de un clon sin personalidad.

Aparte del brutal manejo de sonido, lleno de texturas que resultan tan reconfortantes como recostarse sobre una maleza compuesta por alambre de púas, Himukalt distorsiona su voz bajo diferentes filtros, dándole a sus piezas volumen y profundidad, algo que no siempre es logrado en el hampa del power electronics. A veces se aprecia una voz femenina, en otras el timbre es más bajo, y en más de una ocasión, podemos escuchar una voz entrecortada y distorsionada más allá del punto de ser reconocible.

Ester adopta diferentes formas a lo largo del álbum, pero todas son monstruosas e incómodas. “I no longer belong” e “in every stage of this oppression” figuran como los momentos más sinietros, mientras que el más accesible podría ser el techno-industrial de "Mine", sólo por el simple hecho de que cuenta con ritmo 4/4 fácil de seguir, pero todo lo que le rodea sigue siendo turbio e inhumano.

Sin ser necesariamente más áspera que sus influencias, el trabajo de Kärkkäinen abruma y agobia a su propia manera. Himukalt crea atmósferas completamente herméticas, en las que podemos sentir la ominosa y gradual transformación del oxígeno en dióxido de carbono; los minutos están contados, pero Between My Teeth mantiene su magnetismo.