ANCO
ANCO es un anagrama que, fonética y estéticamente, se percibe como opaco y frío. Sin embargo, fuera de su significado literal (analog collages), estas cuatro letras esconden la esencia de una persona en constante búsqueda de crecimiento, tanto personal como creativo, y sus composiciones sonoras están bastante lejos de proyectar el mismo aplanamiento afectivo que su mote artístico; de hecho, son todo lo contrario. Todas sus piezas están cargadas de un fuerte -y desgarrador- contenido emocional, aunque este se encuentre retorcido y lleno de frenéticas pinceladas que dan como resultado obras abstractas que oscilan entre lo lúgubre y la esperanza. ANCO une opuestos, aunque sea a la fuerza, y nos obliga a acompañarla en estas pequeñas sesiones de exorcismo que ella llama "hacer música".
Sus dos lanzamientos -The Hatred Tapes y Miata- son una escabrosa colección de canciones que parecen querer eludir al escucha, pero al mismo tiempo tienen la necesidad de no ser olvidadas, por lo que se valen de su bizarro encanto para seducir. ANCO está por lanzar su tercera producción, Bullets to Heaven, y la intensión es que el legendario sello Kranky sea quien lo distribuya.
En esta entrevista, la joven artista nos da un breve recorrido a través de su pasado, presente y futuro.
Los artistas de tu generación tienen la gran ventaja de que mucha información ya está recopilada y lista para ser encontrada y consumida. En el caso de la música, plataformas como Soundcloud, Bandcamp, Youtube e incluso Spotify te dan acceso a una inmensa audioteca, lo cual te expone a cantidades enormes de artistas y estilos ¿cómo es que te decides por el noise, drone y el ambient para utilizarlos como canal de expresión artística? ¿Qué encontraste en estos géneros que llamó tu atención?
Desde hace años llevo escuchando estos géneros, siempre me atrajeron y los encontraba fácilmente en, ya sabes, lugares de mala muerte de internet, unos canales de YouTube por ahí, que publicaban música de ese estilo, o la famosa imagen de el iceberg donde ponían muchos géneros que no sabia ni que existían. Siempre quise hacer música, pero nunca aprendí a tocar guitarra ni a usar nada más que la batería, y con ese instrumento siempre estaba al límite auditivo, y siempre me gustó el tema de resonancias y reverberación; ahora junta ese gusto por la batería con la fascinación de escuchar música y te topas conmigo a las 3 de la mañana escuchando a Stars of the Lid a todo volumen deseando poder crear algo igual de denso y dinámico, luego me dije: ¿Porque yo no puedo hacer esto? y así es como empieza esta carrera, que más que un sueño es como una pesadilla, pero no una fea si no una de esas que cuentas cada vez que puedes hablar de ella.
En los inicios del proyecto, ¿qué artistas o agrupaciones jugaron un papel importante en tu desarrollo?
Stars of the Lid definitivamente moldearon mi vision de la música. Todo lo que tiene que ver con Kranky Records, Alien8, 12k, Staalplaat y Mille Plateaux son las bases de lo que ahora soy artísticamente. Pero si tengo que nombrar a alguien en específico, me quedo con William Basinski a quien estudié como loco y Tim Hecker. Él me abrió los ojos desde que lo escuché en Haunt Me. Sus lecturas contra la sobreproducción del arte, el desgaste y el ruido me dieron las herramientas para labrar mi propio concepto, y eso es más valioso que sólo escuchar y ser fan de un artista. Igual mi amor por el metal y grindcore (que está al mismo nivel que por el drone y ambient) le dan esa imagen lo-fi y "violenta" que intento plasmar en mis canciones.
¿Cuál es tu técnica o herramienta favorita al momento de componer y cuál considerarías que funciona como tu "firma"?
Creo que sería el desgaste. Me gusta "machacar" mi sonido, dejar las cosas irreconocibles y apropiarme de los samples que uso, deformándolos como si un camión les hubiera pasado por encima y maquillarlos de una forma horrible, como si no hubiera pasado nada.
¿Qué elementos no musicales influyen en tu obra?
La mayoría de mis canciones están hechas a base de observar y estudiar a un pintor o fotógrafo a fondo. A veces le intento poner sonido a obras que me gustan, como en el EP de Miata, donde la gran mayoría de los nombres de las canciones son de pinturas que miré durante la creación de este; intento ponerles música a esas obras pictóricas, al igual que hacer referencia a los samples que usé, como en “re filled up (Tampa=shit)”, que es una referencia al track de combatwoundedveteran. El cine de directores como Tarkovsky, Fukunaga, Harmony Korine, [Alejandro González] Iñárritu, Denis Villeneuve y Lars von Trier me dio esa amplitud artística para dotar de capas a mis obras y siempre buscar ser lo más ambiguo -pero potente- que se pueda, dentro de mis precarias posibilidades técnicas. Las historias de terror, la leyendas, el misterio y ese tipo de cosas influyen demasiado. También los casos de crímenes sin resolver, y la radio. Soy muy fan de la radio y paso días escuchándola.
Tus composiciones y el arte de tus portadas se acoplan bastante bien, dándole un toque oscuro, melancólico, tétrico e incluso arcaico al proyecto. ¿Qué te llevó a envolver ANCO bajo esa aura tan peculiar? ¿Qué es lo que buscas comunicarle al público?
Siempre busco dar un tipo de "choque". En un principio pensé en mi arte como una forma de liberarme, pero poco a poco me di cuenta que nunca he hecho música con el propósito de liberarme de mis problemas, si no de confrontar a la gente metiendo los problemas que me inundan -que también sufren otras miles de personas en el mundo-. Al final, mi música la hago de una forma generalmente específica, dejando que el oyente se sumerja tanto, que este sólo tenga dos opciones: o sumergirse y pelear, o vomitar y reírse, pues siempre he visto mi música como un chiste muy oscuro, que fue muy lejos y que al final se volvió una parte de mí. Eso en parte se debe a la cantidad de contenido estúpido que veo en internet y que, sin darme cuenta, cargan a mi música con un dote que al final me da risa. Mi arte es sólo una respuesta lógica a lo que sucede cuando lo que debería quedarse en lo oscuro sale aunque no quieras. Sólo queda confrontarlo o reírte.
Cuéntanos un poco de tu nueva producción, Bullets to Heaven; ¿hay algún hilo conceptual que lo una con Miata y The Hatred Tapes, o será algo completamente aislado?
The Hatred Tapes es una obra más oscura; lo que se originó ahí, terminó ahí, y no me interesa hilarlo con algo más que haga (exceptuando técnicas de producción). Miata da unos cuantos guiños al tipo de producción que logré conseguir al dominar Ableton en su totalidad, por lo que tal vez da una prueba más "técnica" de lo que será el proximo album, además de que combiné algunas técnicas que usé en THT para la manipulación de samples. [conceptualmente] Bullets to Heaven va más acerca de no poder dormir, de la muerte de gente que amas, de la religión y dios, de el abandono, de la esperanza y el despertar interno; también hay dos canciones dedicadas para la gente que perdió la vida y luchó durante las protestas en Chile, ya que, como dije arriba, mi música es también tocada por mi realidad social y no me puedo silenciar ante eso. Como dijo una vez Nina Simone: "Una no puede ser artista y no retratar el tiempo en el que vives". Igual la base artística es el suprematismo de Kazimir Malevich y el pictorialismo que investigué durante más de un año en profundidad, es mi album más cargado hasta la fecha.
¿Qué significa Bullets to Heaven? ¿Por qué te decidiste por ese título?
El nombre viene más por la desesperación de no saber cómo llamar a el segundo álbum. Hace unas semanas estaba checando una libreta en donde tengo anotadas muchas palabras y nombres de próximos materiales y me topé con ese: Bullets to Heaven. Al parecer lo había escrito hace un año cuando pensaba en The Hatred Tapes, pero el nombre encajó perfectamente con la música, porque escuchar Bullets to Heaven será como una angustia y el sentido de que las cosas se van siempre está presente, pero como una bala, regresan para darnos en la cabeza o matarnos. Igual el acto de disparar al aire es un acto total de rebeldía, desconsideración pero igual de celebración.
Al momento de componer, ¿qué es más importante? ¿La técnica o el feeling?
Definitivamente el sentimiento y el concepto de lo que estás armando es lo más importante. Pasas de ser intérprete a ser artista una vez que entiendes eso; el cargar emocionalmente tus canciones da un plus o gancho muy fuerte, aún si estas tienen una precaria composición. Para mí, enfocarme en lo sentimental y lo técnico al nivel producción es lo que hace que las canciones salgan como salen; mientras más aprendo a usar Ableton más se expande mi forma de representar esas emociones. El sampleo es la base en mi música también y todo lo que escuchas en ella es la cáscara o el cadáver de lo que quedó de la canción original o de los sonidos de mi pueblo extraño en el que vivo.
