Después de nuestra lista retrospectiva, en la cual nuestra inhabilidad para la síntesis es bastante manifiesta, decidimos entrar al juego de los tops, y este es el resultado de esta práctica. El caveat de siempre se debe recalcar, pues no proponemos la calidad de estos álbumes como una verdad absoluta, pero dentro de todo lo que tuvo cabida en el compendio anterior, estos diez tienen la distinción de ser los que más nos marcaron.

Otro dato que se debe mencionar, es que, con el afán de no repetir tanta información, esta no será una lista que sólo incluya aquellos álbumes con las reseñas más favorables, aunque es inevitable que se dé el caso.

Antes de comenzar, se debe hacer una breve mención honorífica a Six Asymmetric Studies y su hermano gemelo Six [or more] Asymmetric Remixes (ambos lanzados por OTONO, 2020), ya que la reseña de este se hizo desde el 2019, pero, por razones de logística, no lo pudimos poner en aquella retrospectiva; sin embargo, a pesar del sin fin de lanzamientos que han surgido desde entonces, se sigue manteniendo como una de las mejores obras nacionales.

Sin más, he aquí los 10 esenciales del 2020:

ABYSSAL - MISANTRHOPE 2020

En 2018, el trío tijuanense de funeral doom lanzó MISANTHROPE, un devastador canto fúnebre de 46 minutos que, a pesar del opresivo tono sombrío y melancólico y sus vastos espacios vacíos, nunca se volvía tedioso o aburrido; su duración se justificaba incluso en esos segundos en los que sólo podíamos escuchar el silbido de un micrófono que no estaba grabando nada. Tras un cambio menor en su formación, la banda decidió volver a grabar la pista con su nuevo baterista y también aprovechó la oportunidad para agregar cuerdas a la mezcla. Este fue un movimiento muy efectivo, ya que el violonchelo aporta más textura y diferentes elementos tímbricos, acentuando las emociones que ya eran bastante manifiestas en la versión original de esta pieza.

El sonido sigue siendo crudo, con muy poca postproducción, pero se manejó con mayor cuidado y, como resultado, MISANTHROPE2020 se siente más profundo; te envuelve en su poder en lugar de simplemente golpearte en la cara con él. Esto también permite que el violonchelo brille en cualquier posición que deba cubrir. Es este tipo de matiz lo que hace que ABYSSAL se destaque incluso cuando su sonido está inmerso en una estética doom. Con esta actualización, la banda dotó a una épica pieza, ya de por sí aplastante, con aún más poder.

Hate Forest - Hour of The Centaur

El polémico proyecto ucraniano regresa después de un letargo que parecía no tendría final, pues tuvieron que pasar 16 años para que Hate Forest hiciera otro lanzamiento, y lo hicieron sin sufrir alteración alguna. A diferencia de su proyecto alterno, Drudkh, el cual tiene matices folclóricos, Hate Forest es black metal sin adulterar.

Después de un breve intro con un sampleo, Hour of The Centaur no escatima en furia e intensidad. La batería programada parece tener una sola misión: destruir todo a su paso; las guitarras son tan atmosféricas como son estridentes e hipnóticas, y su ejecución suena como una exhaustiva prueba de stamina. Este es el instrumento que más resalta por la capacidad de matizar sin perder fuerza y proveer variaciones en lo que, de lo contrario, podría resultar como una experiencia bastante aplanada. Ese ha sido uno de los principales sellos de Hate Forest y aunque no se puede decir que hubo evolución, tampoco se puede decir que la calidad haya decaído.

Alejandro Bernal - Detrás de la Montaña

El compositor colombiano, Alejandro Bernal, hace un debut fantástico lleno de diseño sonoro complejo y estructuras abstractas, todo bajo un aura desconcertante. Su versatilidad lo lleva desde pasajes de ruido abrasivo hasta ritmos totalmente bailables. Esto no quiere decir que el álbum salte de un género a otro sin dirección ni coherencia, pero el viaje por el que nos lleva es bastante matizado, con un equilibrio envidiable. Este no es un simple álbum ambient o de drone, pero tampoco es una obra pretenciosa y exagerada. Su ambición radica en la profundidad de sus paisajes sonoros y en la minucia de su confección.

OXOMAXOMA - Designios

Designios es un compendio bastante completo que, a través de cuatro cds y un cassette, documenta a la legendaria banda capitalina, pionera del industrial y post-industrial a nivel nacional, en cuatro presetaciones en vivo -cada una en diferente sede- donde la experimentación y la improvisación (a la par de ejecutar piezas ya estructuradas) son el común denominador.

Analizar y hablar a detalle de cada tomo disponible en este box set merece su propia reseña por separado, pero, en general, Designios logra colocarnos en el lugar y en el momento correcto para presenciar episodios clave en la constante evolución de Oxomaxoma. Estos registros datan de los ochentas y principios de los 90s, épocas en las que la mayoría que pudieran estar leyendo esto todavía no nacíamos, o aún estábamos en pañales. Poder viajar en el tiempo y formar parte de estos rituales -pues realmente no hay otra manera de llamarlos- es algo bastante especial. Más allá de que la producción sea de alta fidelidad o no, el entorno en que se llevó a cabo cada una de estas presentaciones es palpable y eso juega un papel importante en crear una experiencia íntima y envolvente.

No suelo ser muy fanático de los álbumes en vivo, pero me permito hacer excepciones cuando estos reatratan el lado espontáneo e irrepetible de una banda o solista, y Designios es de los mejores registros en directo que podemos tener dentro del acervo de lo Hecho en México.

Natik Awayez - Manbarani

Un elemento inherente a la música folclórica del Medio Oriente es que de inmediato nos remite a escenas que son un collage entre el conflicto, la delicadeza de lo sagrado y tradiciones milenarias; ya sea que se trate de grabaciones de antaño o de obras modernas, ese pesar siempre está latente. Sin embargo, hay proyectos en los que el espíritu de colaboración es tan notable, que logra equilibrar ese sentimiento agridulce; Manbarani es una de esas obras.

Natik Awayez es un compositor iraquí que está debutando con este álbum lleno de ritmos tradicionales de la región de Yemen, en colaboración con artistas de la talla de Maurice Louca (presente en nuestra retrospectiva 2019), Ayman Asfor, Adham Zidane entre otros más.

Debido al bagaje de Natik (quien huyó de Irak desde los ochentas y desde entonces ha estado en constante movimiento entre Europa y Medio Oriente) esta obra bien pudo tener un fuerte aire melancólico, pero en realidad tiene un toque festivo -junto con ese misterio que sólo las escalas modales arábigas pueden darnos. Manbarani fue compuesto formalmente en el 2018, pero es el resultado de vivencias que datan de décadas atrás.

Rodrigo Ambriz - La Impaciencia de los Abismos

No creo en el concepto de “canción del año”, pero si hubo una canción que se repitió más de lo aceptable tanto en mis audífonos como en mi humilde sistema de sonido, fue “Las Brasas” de Rodrigo Ambriz. Esa pieza es una perfecta síntesis de la obra del artista capitalino: un uso primitivo, visceral y con una enorme carga ritualística de la voz, en el que el canto melódico no tiene cabida; en su lugar, Rodrigo se desborda en prácticas glosolálicas que incomodan, hipnotizan y que pintan escenas bizarras a la par de interesantes. Ambriz nos arrastra en su trance, el cual se amplifica gracias a loops de cinta y esporádicas aglomeraciones que explotan repentinamente. Antes del final, la calma llega en forma de una voz femenina entonando una enigmática melodía que se acumula en bucle y pasa a desvanecerse lentamente. A partir de ahí, somos llevados por pasajes donde la voz no es tan obvia, pero que demuestran el excelente trabajo de manipulación y diseño sonoro por parte de Ambriz.

Este álbum tiene un sonido más expansivo y variado que aquello que ha firmado bajo el mote de Cacophonic Joy, que sus improvisaciones con (SIC) o que su álbum Una silueta se Precipita en Arcadas (Szara Reneta, 2018) el cual se enfocó totalmente en la voz. Desde el loop metálico de “Las Brasas”, el órgano mutante y dislocado -con un aire muy GRIM- de “El Vaho”; hasta esa atmósfera de voces encimadas que culminan en un final bastante discreto de “Et Voici la Fièvre", La Impaciencia de los Abismos es una obra bastante polifacética e idiosincrásica.

Camecrude - Enclave II

Bajo el mando del compositor Valentin Laborde, Camecrude hace uso de distintos recursos para crear un sonido abrasivo y ceremonial, en el que bien se pueden escuchar frecuencias de textura áspera, cantos repetitivos y pasajes incorpóreos seguidos de frenesí percusivo. Aunque saturado, Enclave II funciona debido a la coherencia con la que fluye, aunque el recorrido no sea fácil. El camino es turbio y a veces pareciera llegar a ninguna parte, pero Laborde sabe compensar la espera, aunque esto no signifique que nuestro andar termine siendo menos tumultuoso; al contrario: la tensión aumenta constantemente.

Enclave II se divide en dos partes, y los primeros 30 minutos son cruciales. En un ejercicio que pone a prueba nuestra paciencia, vamos de un clímax a otro hasta que por fin se nos permite tomar un respiro gracias a un breve interludio. Al remontar la marcha, el desconcertante sonido de una zanfona nos empuja hacia las profundidades, por medio de un ostinato que se repite con su peculiar timbre que oscila entre lo armónico y lo microtonal. Afortunadamente, Valentin nos salva justo antes de que colapsemos, dándonos otro respiro después de haber sido sometidos a un demencial trance.

La segunda parte cuenta con más espacios entre cada pista. Ya no hay necesidad de interludios, pues las piezas duran menos; no obstante, esto no significa que la luz se asome de manera permanente, pero la dinámica ya no implica el uso desmedido de la repetición y las canciones ya no tardan tanto para progresar. Gracias a este balance, Enclave II se salva de sentirse extremo pero superficial. Se trata de una experiencia bastante ominosa y agobiante, pero con un magnetismo innegable: queramos o no, nos arrastra consigo a sus profundidades, y al final, hasta le agradecemos por el viaje.

Sarah Davachi - Cantus, Descant

La compositora canadiense presenta una colección de 17 exploraciones donde el órgano y sus propiedades sonoras son los protagonistas, aunque en el reparto también encontramos sintetizadores, cuerdas, e incluso canto tradicional (“Play the Ghost”, “Canyon Walls”). Cantus, Descant es una obra paciente y mensurada, en la que las manifestaciones sonoras se toman su tiempo para aparecer, a veces armonizando y a veces incurriendo en disonancias, pero siempre complementando lo que Davachi está ejecutando, dándole al álbum variedad anímica con un toque espectral. Así mismo, el hecho de haber utilizado diferentes órganos en diferentes ubicaciones alrededor del mundo, hacen que cada pieza posea cualidades aurales distintas.

A pesar de su extenso tracklist, Cantus, Descant no se siente excesivo (sólo un corte sobrepasa los 9 minutos), y aún cuando sus piezas poseen una naturaleza taciturna e introspectiva, en ningún momento se percibe como un ejercicio indulgente y sin dirección por parte de la compositora; la presentación y entrega de cada track están muy bien cuidadas, haciendo que el álbum avance de manera fluida y coherente de principio a fin.

V/A - Anthology of Experimental Music From Indonesia

A lo largo de seis años, el sello itialiano Unexplained Sounds Group ha forjado una reputación como un referente en cuanto a compilaciones que demuestren lo que sucede en el campo experimental a nivel mundial. Esta labor de curaduría se ha enfocado principalmente en prácticas electroacústicas que, de cierta manera, guarden una escencia inherente al lugar de origen, lo cual puede ser una tarea difícil cuando el objetivo es mostrar proyectos de vanguardia; sin embargo, de todas las compilaciones lanzadas por USG, la que más se acerca a esta quimera anacronista entre lo tradicional y la vanguardia, es este volumen dedicado a Indonesia.

Este compendio difiere del resto en muchos aspectos, pero el que resalta a primera escucha es la presencia de voces en casi todo el álbum. En segunda instancia, podremos apreciar una inclinación por lo orgánico más que por lo electrónico. Claro, proyectos como Senyawa son reconocidos precisamente por su combinación de cantos tradicionales y manipulación sonora, pero también podemos encontrar cortes meramente acústicos con influencia del free jazz (“Saturday No. 3”) y del folclor sin intervención alguna (“Jelema lir ibarat ayang”) más que del drone o el dark ambient — los cuales suelen ser los géneros con más presencia en la curaduría de USG.

Esto no quiere decir que las exploraciones electroacústicas estén completamente ausentes. STYLUCIPHER le hace honor al título de su track (“Pain”), abatiéndonos con power electronics y gritos que acuchillan sin cesar, mientras que The Resonance of ((( US ))) se acerca a esas sombrías texturas cavernosas del dark ambient y el drone; el aporte de Patrick Hartono es de los pocos que no incluyen voz, y su estética se inclina más hacia el arte sonoro, siendo, junto con ((( US ))), uno de los proyectos que más se aleja de su bandera con una estética más abstracta, ajena a cualquier elemento endémico reconocible.

Una lectura que se recomienda para complementar esta escucha y tener un contexto del por qué esta antología es la más variada, es History of noise music in South East Asia, por el investigador, compositor y curador del sello Syrphe, Cedrik Fermont.

Teatro Holofrénico - πρόλογος (Prólogo)

πρόλογος no se puede encasillar en ninguna categoría. Mediante el uso de gruñidos, chillidos, hermosos falsettos y vibratos, así como una amplia paleta sonora, Julián Bonequi evoca sentimientos viscerales sin filtro que son tan individuales como universales; así mismo, a través de los extremos, nos demuestra que todos los niveles del espectro estético tienen un núcleo emocional que merece ser explorado.

"Zero", el tema abridor, nos hechiza gracias a su hermoso pedal de violonchelo -cortesía de Mabe Fratti-, pero el verdadero catalizador de este conjuro es la interacción vocal: el alto registro de Fratti frente a la entrega interválica de Bonequi. Lo que este llega a transmitir con el temblor de su voz es extremadamente conmovedor; el sentimiento es tan crudo que es paradójico: suena doloroso y lleno de júbilo a la vez. En otras palabras, es emoción en estado puro.

Esto es lo que sucede cuando el arte se libera de los grilletes estilísticos para crearse completamente desde lo interno. Se puede decir que esto aplica para cada artista, y para ser justos, es cierto; sin embargo, podemos estar de acuerdo en que la mayoría están bastante sujetas/os a ciertos estándares estéticos y estilísticos, pero Bonequi no se apega a nada en concreto y ahí radica el genio de Prólogo: en su desafío y la manera en que subvierte las expectativas.

¿Es un álbum perfecto? ¿Va a complacer a todos? Quizás no, pero la perfección y la complacencia nunca deberían ser el objetivo; en cambio, debemos apuntar a la libertad y la individualidad, ya que sólo a través de ellas es que podemos encontrar la unicidad.