NUEVO AÑO, NUEVA ACTITUD. NUEVO DISCLAIMER.

Una reseña no es una imposición de ideas, es difusión adornada con opiniones forjadas por repetidas y atentas escuchas al material en cuestión. Puede que estas vayan en paralelo a la opinión popular, puede que no, pero siempre se trata de sustentar con fundamentos (aunque a veces no lo parezca, hay que admitirlo). La intención, aparte de difundir, es generar diálogo en torno a álbumes que aún no aparecen en tantos espacios y dejar registro de estos.

Patrick Shiroishi/Jeff Tobias - Patrick Shiroishi & Jeff Tobias

A raíz de un encuentro impromptu, Patrick Shiroishi y Jeff Tobias grabaron una sesión en la que el saxofón sopranino es la única herramienta, y que al sonar de manera simultánea, abre portales psicoacústicos como si se tratase de una obra de Maryanne Amacher.

Los primeros dos tracks nos llevan por todo el espectro cromático, pues ni Shiorishi ni Tobias escatiman en urgencia, y ninguno deja terreno sin explorar; el efecto es altamente psicodélico. Sin embargo, también nos permiten un descanso con algunas técnicas en las que el aliento se mueve con delicadeza, resonando de una manera profunda en el registro más bajo que el instrumento permite. En la última pieza, la dupla entra en una dinámica de llamado-respuesta, permitiendo que el silencio se haga presente, aunque sea por unos segundos. 

Puede que llegue un momento en el que se extrañe la intensidad del principio, pero todo forma parte del espectro manejado por ambas partes involucradas; incluso, lo que se genera en los últimos minutos del último track podría ser lo que más desasosiego provoca, pues después de toda la energía expelida en las piezas anteriores, los silencios y la ausencia de notas dan la impresión de tratarse de una llama extinguiéndose después de haber quemado todo a su paso. Un final muy digno para tan enérgico álbum.

IIRA - Demo

Este demo apareció en mi folder de spam, pues no contenía otra cosa más que el link a su perfil de Bandcamp. De no ser porque después lo vi en un canal de YouTube, no me habría animado a abrirlo, y he de admitir que la sorpresa fue bastante grata. 

Para los estándares de demo de black metal este tiene un sonido lo suficientemente bueno -aunque crudo- como para pasar por lanzamiento oficial (salvo algunos detalles de ejecución). IIRA es polifacético y se nota que toma influencia de otros géneros, lo cual le da bastante dinamismo a sus composiciones, pero sin mermar la esencia de su estilo predilecto. Evadiendo el sonido trendy del black metal atmosférico de fácil consumo, IIRA suena fresco por sus toques quasi post-hardcore que nos pueden remitir al sonido de Grand Mood. La guitarra tiene un tono bastante crudo, pero se puede apreciar todo el trabajo que destaca por su complejidad -en cuanto a dinamismo, no a técnica- y que se aleja del riff convencional.

La transición de tranquilidad a blast beat no suena forzada y aunque hay contraste, este no es exagerado pues hay coherencia estética a pesar de las diferencias. Al final del primer y último track, hay pasajes melancólicos en los que un piano suena en solitario, pero estos están muy alejados de caer en el histrionismo del dsbm, lo cual es un gran punto a favor. En general, IIRA maneja muchos elementos con mucho balance, lo cual es bastante sorprendente considerando que, probablemente, esta sea su obra debut. No es seguido que un demo suena tan consolidado y que realmente logra generar interés por lo que sigue.

Dolman/Rossy/Jobin - Are You Here to Help?

Con una alineación bastante distintiva (dos vocalistas y una batería), este trío confecciona delicadas piezas que sutilmente toman de diferentes fuentes para crear algo bastante visceral. Tenemos la inmediatez y familiaridad ancestral del folk, la peculiaridad del avant-garde, atisbos de progresivo y la economía del minimalismo. Desde su batería, Aaron Dolman es quien toma las riendas del proyecto al ser el compositor y letrista, pero tanto Sarah Rossy y Eugénie Jobin se apoderan de las palabras y las armonías que interpretan.

La batería corre en patrones indefinidos alrededor de las voces, mientas que la dinámica lírica pasa de armonizar en canon o al unísono -como si se tratase de cánticos antiguos- con falsettos y melodías que amablemente nos recordarán a Joni Mitchell, de quien el trío toma “The Fiddle and the Drum” para aplicarle su sonido.

Are You Here To Help? es una obra bastante sutil en la que los sonidos no son abundantes; el trío deja muchos espacios en blanco, pero al contrario de sonar vacío, los silencios pasan a formar parte del todo, a veces creando tensión, y otras creando un ambiente bastante íntimo. Sin embargo, cuando se trata de amplificar su sonido, Dolman, Rossy y Jobin nos dan grandes piezas como “Hold To Love”, la cual cierra el álbum con intensidad y con un un excelente contraste (el track previo carece de batería, mientras que “Hold…” tiene el uso más explosivo de esta), demostrando el gran rango que se esconde en tan austera alineación.

Tony Gallardo - Selected Works

Selected Works es un compilado de greatest hits que recorre la trayectoria del aclamado productor mexicano Tony Gallardo, pieza clave en el origen y evolución del ruidosón, estilo que pone cara a cara géneros como el tropical y el techno bajo un aura un tanto oscura. Su ya famosa justificación académica-intelectual puede llegar a sonar más interesante que la música en sí, pero siendo justos, ese suele ser el caso con muchas otras corrientes, y aunque admito que nunca he sido fan del ruidosón, aprecio y entiendo sus idiosincrasias, así como el por qué resulta tan atractivo para el público.

En el caso de Gallardo, es claro que su appeal radica en su gran habilidad para crear hooks melódicos bastante "juguetones", los cuales a veces resultan más memorables que la música que les acompaña. Con esto en mente, Selected Works abre con un tono agridulce, pues muestra un punto en la carrera de Gallardo en el que el Alex Anwandter worship fue muy notorio, y no fue precisamente su mejor momento. Tracks como “Bruja” y “Líder Juvenil” (esta última data del 2012) suenan bastante flojas en comparación con piezas más sólidas como “Kibosé”, “Plata o Plomo” o incluso que otros de la misma época, como "Mi presa". Sin embargo, el mayor logro de esta selección puede que sea el cómo nos muestra la evolución del productor así como su versatilidad, por lo que es inevitable que cuente con altibajos. 

Con el historial de deconstrucción estilística que Gallardo tiene, es entendible que Hakuna Kulala lo haya añadido a su roster; es un honor y un gran paso para el artista, pero en comparación con obras como la de Leon Duncan o Menzi (por mencionar sólo algunos) tal vez sea un movimiento lateral para el excelente sello.

FRNCE - Serendipia

Debido a su portada un tanto reminiscente a Oil of Every Pearl’s Un-Insides, Serendipia da la impresión de que se moverá en una vena pop más aventurera, pero en general es una obra pop que ofrece lo que se tiene qué ofrecer. Su prístina producción y estilo de voz hacen que Serendipia pueda colocarse entre obras de Olivia Rodrigo, Billie Eilish, o similares, lo cual es un testimonio de su alta calidad, pero también de lo homogénea que resulta la propuesta en el ámbito del pop. Incluso su ingenioso eclecticismo sólo suena como un producto de esta época, en la que las fusiones están a la orden del día, y no como un statement artístico.

La experiencia es interrumpida por una constante sensación de deja vu que persiste durante todo el álbum (en especial por la voz), pero debido a su variedad, dinamismo, y ausencia de tracks de relleno, la escucha es entretenida y fácil de absorber. No se puede ignorar la dedicación que se le dio a esta placa: Serendipia es un trabajo con una producción bastante profesional, y la calidad se extiende a cada elemento que lo conforma; desde la composición y los arreglos, hasta la ejecución y el performance, todo está muy bien cuidado y presentado como si se tratase de un álbum de alguna artista con el apoyo de un gran sello.

A diferencia de otros proyectos con un hype inflado, el caso de FRNCE es diferente. Aún siendo pop, se aleja de lo tendencioso, evitando caer en las desgastadas garras del psych-pop, neo-soul o en apropiaciones insípidas que sólo buscan explotar la nostalgia. FRNCE hace lo suyo con sinceridad -su mayor virtud- y aunque en momentos pueda llegar a ser demasiado familiar, la calidad es tal que, incluso si no es lo tuyo, al menos puede apreciarse desde una postura completamente técnica.

Alejandro Morse - Architectural Reverb

En el 2020, Morse lanzó un álbum conceptual que fungía como el soundtrack para una novela, y que mostraba al artista en una de sus facetas más dinámicas. Los tracks tenían altas, bajas y distintos sonidos para apreciar; ahora, en esta producción más reciente, Alejandro Morse opta por el minimalismo y su hipnotismo tan inherente, aquel que sólo sale a flote cuando la obra es manejada con minucia.

Architectural Reverb contiene piezas más austeras, pero que dentro de su aparente simpleza también cumplen con un arco conceptual, uno que rinde homenaje a espacios sacros y a cómo el sonido viaja y se comporta en ciertas estructuras arquitectónicas. El sonido se mantiene uniforme, pero con variaciones en cuanto a la claridad de los sonidos y texturas, aludiendo a la reverberación natural de cada espacio. La capa de reverb en “Chapel” es densa, escondiendo sus detalles, en comparación con “Cathedral”, en donde una secuencia de acordes suena con majestuosidad, amplificadas por su eco.

La experiencia es envolvente, evocativa, multisensorial, pero también resulta familiar. Sin embargo, esto no es causado por Alejandro precisamente, sino por la infinidad de proyectos de ambient-drone con estéticas intercambiables entre sí y que manejan dinámicas similares a lo que se presenta aquí. No obstante, lo de Alejandro Morse va más allá de usar un sintetizador con delay, reverb o grabaciones de campo procesadas; al igual que artistas como Israel Martínez o Raffaele Pezzella (por mencionar algunos), hay sustancia y una justificación que en realidad complementa la obra, aunque esta pueda sostenerse por sí sola.

por Sebastián Franco

Mito del Desierto - Viajeros Planetas Degollados

El terrorista sonoro, oriundo de Nuevo León, Mito del Desierto, llega con una nueva placa de larga duración, Viajeros Planetas Degollados (Hole Records, 2021). Este álbum es el resultado de una ardua catarsis que ha llevado al artista a encontrarse entre sonidos abrumadores y catastróficos para renacer en una tierra seca y poco fértil.

En esta obra, Mito plantea una nueva idea que ronda todo el disco, la mortalidad del ser humano, o eso pareciera al escuchar los primeros tracks, donde las palabras retumban en el psique del escucha como discursos que atormentan su camino, y que se acompañan de densos golpes y campanadas que van marcando la disonancia que el mismo Mito crea con minuciosidad. Donde se hace de colaboraciones notables como lo son la participación de Mabe Fratti, Gibrana Cervantes (Vyctoria) y Alvaro Castro (Tajak)

Mensajes encriptados que flotan como y se encuentran uno a uno, como pasan en el track “Planetas” el cual pareciera una orquesta espectral que se va creciendo poco a poco, casi clerical, avanza con lentitud y conduce a un espacio de tensión para llegar a “En Desembocadura” un corte amenazador que susurra actos de violencia y oscuridad en su camino. Sollozos y golpes densos que retumban en las paredes que Mito crea en cada track.

Flautas disonantes acompañan este viaje, con resonancias que hacen eco en cada segundo como lo demuestra en “[cruza el túnel]”, una contemplación profunda llena de elementos que aclaran la bruma que abunda en toda placa, empapándose de la glosolalia de Fratti, además de incorporar un sentido cinematográfico, lento y onírico.

El disco cierra con “De la esperanza “ y “Degollados” dos capítulos que recrean una sensación de desalojo. En especial esta última que le da final a la placa. Dónde los ruidos se escabullen y conectan entre sí, bajo un manto de teclados letárgicos y lúgubres. Un momento que aclara la mirada y renombra el espíritu austero del que va el disco.

Viajeros Planetas Degollados, es por hoy, el mejor álbum de Mito del Desierto, donde se enclaustra la esencia del proyecto y la catástrofe en la que se ve sumido. Una mirada poco sutil que se ven encontrada con una realidad poco alentadora. Una caminata por el cementerio de la sociedad contemporánea. Un armamento prodigioso del cual se hace lucir en cada track, desde inspiraciones de mediados del siglo XX pasando por caóticas cacofonías que se fusionan al unísono. Un disco profundo que recoge años de trabajo y experiencias, que proyecta esa sensación actual de encierro y desesperanza cautiva.